Discordancias, discrepancias y armonías

2009 en el cine

2010-01-12T09:01:00.000-08:00

Años vienen, años se van y siempre quedan recuerdos, malos o buenos.
He aquí un breve recuento de lo mjeor y lo peor que vi el 2009, tal como se explica en la introducción, no está todo. Lástima.

Star Trek (J. J. Abrams). El cine hollywoodense y las retcons pueden ser inteligentes. La película del año.

El Luchador (The Wrestler, Darren Aronofsky). Después de la soberana mamada que fue The Fountain, Aronofsky se reivindica con LA película gringa sobre lucha libre. Grandes actuaciones + gran guión + gran dirección = nuevo clásico.

Reli…qué? (sic) (Religulous, Larry Charles). Dios no existe. Por lo menos el dios asesino, sexista, racista y antinatural de los judeocristianos. Extraño estreno, dado lo ignorante de nuestro país (o a lo mejor por eso dio el semanazo).

G. I. Joe: El origen de cobra (G. I. Joe: The Rise of Cobra, Stephen Sommers). Antes de que los comunistas me linchen: G. I. Joe no es una película patriotera proyanqui, simplemente es un churro divertidísimo con unos efectos más impactantes que los de Avatar. He dicho.

Arrástrame al infierno (Drag Me to Hell, Sam Raimi). Deberían nombrar a Raimi director general de Hollywood, el mundo se convertiría en un lugar mejor.

Para continuar pícale aquí.

2009-11-25T08:03:00.000-08:00

Toca el turno al eterno debate sobre cuál editorial es mejor: Marvel o DC. En este caso, unas breves semblanzas entrecruzadas sobre los jefazos de ambas editoriales. Por alguna razón ignota este es uno de los textos que más me han gustado. Como que logré ser bastante objetivo y no dejé que mis gustos interfirieran, además de que fue un placer escribirlo.
Con este texto termino por republicar (o publicar según sea el caso) todo el material que escribí para la fallecida revista comicñera. En retrospectiva la experiencia fue buena dado que pude observar un poco de cómo se trabaja editorialmente, aunque esas observaciones no hayan sido hechas sobre un trabajo competente. Es una lástima que el trabajo de varios colegas se tire a la basura por la torpeza de quienes "editaban" la revista, y más cuando justamente era ese trabajo el que mantenía a flote a la revista (y permitía a los "editores" cobrar un sueldo, derecho del que los colaboradores no gozabamos*).
Lo que más disfruté al escribir ahí fue conocer a gente interesada en los cómics que además tuviera algo que decir de ellos. Creo que eso es lo más importante de tener una afición: tratar de difundir el amor que se le tiene. Pero tampoco seré condescendiente, mientras que había personas que escribían de manera soberbia, también había quien necesitaba unas clases de redacción, o quien no tenía nada que decir (y sus textos eran aburridos, por no decir algo peor). Ahí justamente es donde entra el trabajo del editor, en saber seleccionar que material puede engrandecer la revista y cual es simplemente digno de un blog.
Ignoro en cual de ambas categorías entra mi trabajo, pero que quede claro que en cada texto procuro decir algo que no se haya dicho sobre el tema en cuestión (o por lo menos que no se haya dicho muchas veces ¡Ja!), si lo logro o no, por favor háganmelo saber.

*No hay bronca, todo era de común acuerdo. Por lo menos en ese aspecto no hubo abuso.

Dan “Distinguido Colega” Didio vs. Joe “Maravilloso” Quesada.

O lo que es lo mismo: DC contra Marvel, porque en sus respectivas compañías, cada uno de ellos es el mandamás, el que dice qué se publica, cómo y cuándo, además de que juntos (pero no de manera consensuada) han llevado a la industria del cómic a un renacimiento que cada vez se antoja más prometedor.
Didio el inexpugnable.
Proveniente de la industria televisiva, Dan Didio se incorporó a las filas de DC Comics en enero de 2002 como vicepresidente editorial, dispuesto a arrebatarle la supremacía que en aquel entonces gozaba Marvel. Su plan fue simple: rodearse de los mejores creadores, acaparando a algunos con jugosos contratos de exclusividad, para tratar de convertir de nuevo al universo de superhéroes de esa compañía en un lugar emocionante, en donde lo inesperado fuera el pan de cada día. Aunque esto último puede ponerse en duda, lo cierto es que la polémica que han generado las historias bajo su mandato se han traducido en ventas, sin que esto desmerezca la calidad de algunas de ellas.
Él planeó Infinite Crisis, concibió 52, regresó al estrellato a los Teen Titans y a los Outsiders, permitió el triunfal regreso de Hal Jordan, nos impactó con Identity Crisis y volvió loco a Grant Morrison (en un sentido literal, o por lo menos eso es lo que demuestran los últimos cómics del genio escocés). Mandó matar a Blue Beetle, a Spoiler y a Bart Allen, razones por las que se cree que él tiene más injerencia en las historias de DC que los mismos escritores, además de otorgarle un aura de sanguinario y matarife que al parecer va a ser más grande si los rumores que circulan respecto a la muerte de un ícono de la compañía en Final Crisis resultan ser ciertos.
Y en el colmo del paroxismo, causó la ira de todos los fans al explicar, mediante una lógica digna de la serie televisiva de Batman de los 60, los teasers de la serie Countdown, además de aceptar, en una conferencia en la última ComiCon de San Diego, que todo lo respondido podía ser cierto o no, convirtiendo a lo mencionado en dicha conferencia, en información inútil.
Lo único seguro es que mientras siga al mando de DC, esta editorial seguirá dando de que hablar, con decisiones controversiales, extralimitación de los personajes y un sentido de la aventura como no se había vivido desde los años 80, además de crear un ambiente de competencia que sin duda alguna redundará en más y mejores historias.
Quesada el temerario.
A fines de los años 90, Marvel Comics era un desastre tal que la bancarrota en que cayó estuvo a punto de hacer que sus personajes fueran adquiridos por otras compañías, aunque lo cierto es que fue la baja calidad de sus historietas –aunada a una sobreexplotación del mercado- la que la llevó a estar en esa situación. En un movimiento sin precedentes, Marvel decidió crear un subsello –Marvel Knights- dirigido por unos tales Jimmy Palmiotti y Joe Quesada. El éxito fue tal –y todo gracias a que ambos se preocuparon por la calidad de sus productos- que Quesada fue ascendido a Editor en jefe, puesto que ocupa hasta el día de hoy con un éxito, tanto editorial como económico, cada vez mayor.
Él participó en la concepción del universo Ultimate, permitió House of M, alentó Civil War, solicitó la creación de Runaways y dio el banderazo a la más reciente invasión skrull, todo ello apoyado en un grupo creativo que admite trabajar de manera libre, cuya únicas ordenes editoriales son no limitarse y hacer que el personaje haga lo que nunca haya hecho antes.
Sin embargo, no todo ha sido miel sobre hojuelas, decisiones como la de prohibir que los personajes fumen en los cómics o su ya mítica frase de “Dead is dead” (los muertos están muertos, refiriéndose a que bajo su mandato no habría muertes sin sentido que después de un rato regresaran sin provocar cambio alguno) –que en algunos casos se ha respetado y en otros no- han provocado reacciones negativas en los fans, además de menguar la confianza que tienen en él. También su abuso de que tal o cual nueva aventura va cambiar al Universo Marvel se toma siempre con un grano de sal pues es conocido su colmillo para provocar el delirio imaginario de los lectores a fin de impulsar las ventas de sus cómics.
Tal palo, tal cómic.
Podría pensarse que con caracteres tan diferentes el destino ambas compañías iría por rumbos diferentes pero no es así: en ambos casos se están escribiendo las mejores historias de los últimos 20 años para cada universo, creando nuevos personajes exitosos –situación que tenía como 20 años sin suceder-, aumentando la emoción de los lectores -lo que se traduce en ventas y mejora del mercado-, y sobre todo, ambos editores tienen en mente que la forma de lograr lo anterior es centrándose en la calidad del producto, tanto a nivel de escritores como de dibujantes.
Ambos también están de acuerdo en que ésta calidad es la que va a permitir que la industria del cómic salga del bache en el que cayó a principios de siglo, permitiendo que la continuidad del cómic como forma de arte perdure por más tiempo.
Hermanos incómodos.
Pero las diferencias también saltan a la vista. A Didio se le reconoce como un director planeador, que desde hace años sembró la actualidad del universo DC y que ya tiene organizado todo para el futuro inmediato y lo que sigue. Por el contrario, Quesada es un hombre de respuestas rápidas, atento a los vaivenes del gusto comiquero para complacerlo editorialmente (aunque a últimas fechas parece que se está adidiozando).
Didio gusta de mandar personajes directo al estrellato mediante su muerte o cosas peores –caso Sue Dibny- mientras que Quesada gusta de entregárselos a escritores novedosos y artitas superestrellas a fin de reapuntalarlos en nuestro gusto –caso Moon Knight-.
Joe Quesadilla (como lo llaman cariñosamente sus colaboradores) ha también confiado en talento fresco y nuevo para manejar su universo, convirtiendo a Brian Bendis, David Finch o Brian K. Vaughan en ídolos de la fanchiquillada. Por el contrario, Dan Didio se ha apoyado casi en su totalidad en Mark Waid, Jeph Loeb o Grant Morrison –autores supercomprobadísimos- para asegurarse el éxito y la adoración del respetable.
Un futuro prometedor.
Las dos grandes compañías del cómic estadounidense no podrían estar en mejores manos. Con editores así de comprometidos en volver cada vez mejor a su respectivo universo tenemos aseguradas las risas, lágrimas, sorpresas, desencantos, frustraciones, golpes de adrenalina, sustos, enamoramientos, despertares, y un sin fin de emociones que sólo los cómics nos pueden dar. Esperemos que la competencia siga su curso, pues aparte de las pedradas, lo que estos dos personajes nos dan son el material del que están hechos los sueños… y los cómics.

Ineditum

2009-11-19T08:27:00.000-08:00

Lo que leerán a continuación es una muestra de lo que no debe hacerse cuando uno quiere escribir un artículo. O más bien, lo que no debe hacerse cuando se cuenta con poco espacio.
Este listado pretende ser una explicación a los temas culturales que Warren Ellis manejó a lo largo de los números de Planetary, su obra cumbre, pero al tener un espacio tan constreñido, aunado al hecho de que no investigué lo suficiente, resultó en un texto mediocre, válido únicamente como guión para uno más extenso y mejor elaborado (... algún día).
En retrospectiva, agradezco profundamente que no se haya publicado, la verguenza que me habría supuesto ese hecho no me dejaría dormir.

DESENTRAÑANDO EL UNIVERSO DE PLANETARY.

En lo que se publica el tan esperado epílogo de una de las sagas más importantes de los cómics en este siglo, les traemos una pequeña síntesis de las múltiples referencias culturales que aparecieron a lo largo de los 26 números publicados. Bien sabemos que Warren Ellis está loco y todas sus obras son un maremagnum de homenajes, menciones, citas y referencias culturales que van desde lo más erudito hasta lo más pop, así que comencemos este viaje por un extraño mundo que desea permanecer así.

# 0: La referencia es más que obvia: Hulk. Ellis escribe un relato realista de que sucedería con un humano mutado en extremo. No apto para soñadores.
# 1: Presentando la historia, Ellis nos hace recordar a los héroes de las novelas pulp de los años 30: Doc Savage, Tarzán, Fu Manchu, The spider , entre otros. Cabe mencionar que estos personajes fueron la mayor influencia que los creadores de cómics tuvieron en la época dorada.
# 2: Godzilla y todo el panteón de monstruos gigantes nipones aparecen en este número. Lo mejor es ver el cadáver putrefacto de Mothra y el esqueleto de King Ghidorah, además del vuelo de Rodan, como indicando que en algún lugar del mundo todavía sobreviven dichas criaturas (por lo menos en Japón así es).
# 3: Como buen fan del cine oriental, Ellis homenajea al famosísimo género de las matanzas heroicas, en donde los balazos y la sangre a raudales están a la orden del día. El profeta de este cine es nada más y nada menos que John Woo, creador de clásicos del cine violento como The Killer o Hardboiled, estupendamente representadas en este número.
# 4: ¿Un héroe transdimensional que se intercambia por una persona común y corriente cuando no es requerido? Me recuerda a Thor o a Shazam, con la diferencia de que este personaje será sujeto de investigación, tal y como pasaría en el mundo real.
# 5: De nuevo las novelas pulp, con la salvedad de que aquí la referencia es directa al incluirse algunas páginas escritas en prosa, justo a la vieja usanza.
# 6: Aquí comienza la conspiración. Mucho se ha discutido sobre por qué los villanos de la historia son una versión retorcida de los Cuatro Fantásticos. La respuesta más satisfactoria es que es comentraio sobre cómo los superhéroes de Marvel han impedido la evolución de ese género en los cómics. Fue tan genial su creación que todos los autores posteriores están a la sombra de lo realizado por Lee y Kirby, así que, en cierta manera, los FF son los culpables de que actualmente estemos sumidos en un estancamiento creativo.
# 7: Ellis analiza la línea de cómics Vertigo, comentando sobre su aparición, desarrollo y posterior éxito. Al final se burla de lo bajo que ha caído en cuestiones editoriales en su afán de ofrecer productos “maduros”, confundiendo este término con violencia gratuita.
# 8: ¡La época de oro del cine de ciencia ficción gringo! Insectos gigantes, platillos voladores, robots buena y mala onda. Con el título de este número, Ellis nos recuerda que, efectivamente, hubo en tiempo en que la Tierra giraba más lentamente.
# 9: “Si creo que existe entonces se vuelve real” es la frase que justifica el pensamiento conspiratorio, corriente que en el siglo XX servía para explicar desde el asesinato de Kennedy hasta el enterramiento in vivo de Joaquín Pardavé. Ellis explica como funciona una conspiración pop.
# 10: Aparece el universo DC, aunque sea sólo para ser destrozado por el universo Marvel, metafórica y gráficamente. El escritor expone sus razones de cómo la Casa de las Ideas destronó a su Distinguida Competencia, deconstruyendo la imagen clásica del superhéroe, dándole un toque más realista.
# 11: Homenaje doble: James Bond y el Nick Fury de Jim Steranko, o lo que es lo mismo, espías y agentes secretos en todo su apogeo. Bond… papel Bond.
# 12: Este número es un interludio donde se explican cuestiones referentes a la historia central, hay referencias pero se expanden en números posteriores por lo que las mencionaremos al llegar a ellos.
# 13: Ellis homenajea a la novela romántica, en su vertiente neogótica, al mismo tiempo que a la época victoriana. Personajes como el monstruo de Frankenstein y Drácula son expuestos como robots, lo que nos habla de su estancamiento, mientras que Sherlock Holmes sigue siendo una mente maestra. H. G. Wells hace una aparición.
# 14: De nuevo referencias a la versión marveliana de Thor, en este caso sobre el lugar de donde procede Mjolnir cuando Don Blake azota su bastón contra el piso. ¿Para qué utilizaron esa tecnología los CF retorcidos? La respuesta es espeluznante. El número abre con la frase “La verdad está aquí dentro”, en referencia directa a X Files.
# 15: Ellis se pone culterano y nos da una cátedra de mitología aboriginal australiana. Al mismo tiempo, nos presenta su versión del viajero interestelar, rindiendo tributo a personajes como John Carter Of Mars y Carson of Venus.
# 16: Más amor por el cine oriental, ahora por el wu xia, o películas de guerreros, en donde las artes marciales se convierten en verdaderos poemas visuales. En particular recuerda a Crouching Tiger, Hidden Dragon y a Hero.
# 17: Tarzán, Tarzán y más Tarzán. Si bien lo presentó en el número 1, aquí se relata la historia de su equivalente en el universo Planetary. El homenaje llega incluso hasta la tapa, en donde el dibujante recreó la portada de la primera aparición de Tarzán.
# 18: Se tardó un poco pero por fin Ellis menciona a Julio Verne, en particular su libro De la Tierra a la Luna, de donde se inspira para recrear el primer viaje al espacio realizado por terrícolas.
# 19: Ciencia Ficción trascendental vs. Ciencia Ficción patito. Por un lado se habla de cintas como 2001 o literatura especulativa correspondiente a la nueva ola, y por el otro se hacen referencias a excentricidades como el Galactus de Marvel, de hecho, el titulo del capítulo, Mystery in space, es el título de una serie editada por DC en los 50. Cada quien elija su vencedor.
# 20: De nuevo Marvel, hasta parece que todos la odian pero nadie podría vivir sin ella. Imaginen si la Mole, en vez de ser el buena ondita que conocemos, hubiera sido un hijoepú en toda la extensión de la palabra. Más Marvel, más realismo.
# 21: Ellis nos confiesa de donde saca tantas pachequeces en este número que es un tributo nada menos que a ¡La psicodelia sesentera! Cuando, según los hippies, las drogas se usaban para expandir el alma y la percepción (Sí, cómo no… haraganes).
# 22: Westerns: vaqueros, indios y balazos, además de la aparición de un Llanero Solitario bastante mala leche. Ellis coquetea con el bueno, el malo y el feo.
# 23: Cine gringo de acción, todo el número parece una película de Bruce Willis, hasta la portada es homenaje a la cinta Armageddon. Un comentario más velado es como el internet ha absorbido las vidas de niles de adolescentes vacíos y sin nada mejor que hacer. En partes hasta a Akira recuerda.
# 24: Otro número que desarrolla la historia central, si hay referencias no fueron encontradas.
# 25: Hay dos muy grandes. Por un lado, Ellis homenajea al cuarto mundo creado por Jack Kirby en DC, representando a Apokolips y su interés por acabar con la vida. Por otro hay un tributo a un personaje inglés llamado Steel Claw, un villano que tenía una garra hecha de metal que le daba poderes.
# 26: Siendo el número “final” de la serie, Ellis prefirió concluir la historia central por lo que no hay referencias explícitas, aunque conociendo a Ellis todo puede suceder.
# 27: Sepa… pero si las profecías son correctas de seguro se mencionará al aleph de Borges o alguna referencia quijotesca habrá de tener. No nos defraudes Warren.

Comicñeros al grito de guerra

2009-11-18T11:34:00.000-08:00

La fenecida revista comiqueril tenía una sección en donde se ofrecian dos puntos de vista sobre algún personaje o argumento. Llegó el momento en que a alguien (creo que fue a Oscar Amador pero no estoy seguro) s ele ocurrió que para hacerla más interesante, en lugar de que fuera un mismo escritor el que argumentara por ambos bandos, realmente se enfrentaran dos mentalidades diferentes. El primer resultado (y no se si hubo alguno más) fue la siguiente discusión sobre la ya mítica Civil War. Dirán lo que quieran pero gracias a esa serie tenemos la bonanza editorial televiso/marveliana d ela que gozamos hoy día, y, caso curioso, es una historia que le gusta mucho a aquellos no aficionados a los cuadritos. Creo que ahí radica su verdadero éxito.
El siguiente debate fue desarrollado por un servidor en combate con Francisco Espinosa, enciclopedia comicñeril andante y locutor del programa Comiconexión (y apuesto mi cómic más chafa a que en él basaron para crear a Pandamonium, [es broma Paquito, ya sabes]), creo que se armó un buen relajo y el resultado lo pueden leer a continuación.
Por cierto, este texto es publicado con la anuencia de Francisco.

CIVIL WAR: ¿RUBICÓN HISTÓRICO O WATERLOO COMIQUERIL?

Ahora que la Guerra Civil ha terminado de publicarse en nuestro país, los altos mandos de (la fenecida revista) han considerado realizar un contraste entre lo bueno y lo peor de una de las sagas más polémicas de los últimos tiempos. Francisco Espinosa y Rodrigo Vidal dividen bandos y se tiran salvas tratando de exponer si Civil War pasará a la historia como una miniserie más o si marcará el futuro de la Casa de las Ideas.

Rodrigo: Una de las críticas más duras que se la han hecho a Civil War está relacionada con que esa historia de “héroe vs héroe” ya se ha realizado antes y quizás con mejores resultados. Si bien esto es cierto, lo que convierte a CW en una historia relevante para el cómic actual es el momento histórico en que se realiza. El punto medular no son las peleas ni el desenlace, lo que eleva a CW a status de clásico es el por qué pelean: el acta de registro no es más que una analogía del acta patriótica estadounidense, una ley que viola las garantías individuales de los ciudadanos al permitir que su correo, llamadas telefónicas, e-mail, cuentas de banco y todo documento confidencial pueda ser registrado sin que exista una orden judicial para ello. Mark Millar logra extrapolar esta situación arremetiendo contra la principal libertad de un superhéroe, mantener su verdadera identidad secreta, pues el ser altruista es una opción que ellos eligieron y deben tener el derecho a proteger a sus familias si así lo desean. Considero que esta crítica tan velada es una cachetada con guante blanco al stablishment gringo, más aún proviniendo de un medio que ellos consideran como “propio”.
Francisco: El problema radica en que la “crítica velada” que se menciona, no es ni tan velada, ni tan crítica. El Acta De Registro Mutante, que lleva años trabajándose dentro del Universo Marvel, ya era una crítica fuerte contra muchas de las políticas dictatoriales de varias administraciones, pero siempre dentro del margen ficticio y fantástico que existe en los cómics de superhéroes. El problema es que, viendo los resultados, la crítica se queda a medio camino al tratar de no tomar partido y de ser “imparcial” en su retrato pretencioso y maniqueo de una supuesta América dividida. Los bandos, si bien quedan claros, nunca se justifican; por un lado están los que “defienden la ley… pos porque es la ley” y los que “desobedecen la ley… pos porque está mal la ley”. Las posturas y los argumentos se pierden en el vacío de un equipo editorial que no quiere tomar partido, cuando la base de la crítica real y fuerte es la defensa de una postura.
R: Justamente es esa pose de imparcialidad lo que resulta agradable, porque Millar no intenta predicar por uno u otro bando, más bien evidenciar lo absurdo de la disputa. Millar se cuida de no caer en la tentación de mostrar sus posturas políticas personales y permite que sean los lectores, a través de los personajes, quienes decidan que lado prefieren, o dicho de otra manera, Millar informa al lector y le permite sacar sus propias conclusiones, algo que el aparato ideológico del gobierno gringo limita a toda costa por medio de la tele, el periódico y… gulp… los cómics. Uno de los mayores logros, narrativamente hablando, de CW es que no hay buenos ni malos de origen, uno los ubica respecto a la postura propia ¿Qué mayor libertad se puede pedir?
Lo que nunca queda claro es que hubiera pasado si ganan los rebeldes ¿Se habría abrogado la ley? ¿Modificado? Creo que esta situación es la que en cierto modo, y admitámoslo, algo fallido, justifica el final de la historia.
F: Lo que lleva al segundo punto: Civil War, al igual que muchas de las series actuales, no surge de un verdadero ímpetu creativo y de denuncia por parte de sus autores, sino de la dirección editorial que, en un arranque de creatividad, quiso convertir el Universo Marvel en un instrumento de denuncia y crear con ello, no sólo un “gran evento” a todas luces comercial y tramposo, sino una historia que compitiera con lo que su competidora estaba haciendo. Al final Civil War no dijo nada acerca de la situación de país y tampoco contó una buena historia. Ni Millar, ni Jenkins, Ni Straczynski, ni ninguno de los involucrados supo defender las posturas de sus héroes ni llevar a cabo las imposiciones editoriales que al gran jefe Quesada se le iban ocurriendo, cosa que se nota en los grandes errores de continuidad de un número a otro. Lo que se dijo en Civil War ya se había dicho antes en otros cómics, y los remito al Captain America de Mark Waid o Mark Gruenwald, los mismos títulos de mutantes, como la inolvidable Days Of Future Past (que por cierto sólo necesitó de dos números para decir lo mismo), con mucho mayor fortuna ya que ellos venían de una necesidad creativa y no de un mandato editorial. ¿De verdad era necesario que Peter Parker se quitara la máscara para algo más que vender más cómics?
R: Concuerdo con que la parte editorial no planeó la historia como algo relevante socialmente hablando, pero el hecho de que sea Millar -un escritor escocés- y no uno gringo quien la desarrolló permite un grado de libertad mayor. No es broma cuando Thor –un dios rubio, caucásico y de ojos azules- mata a Black Goliath –un personaje secundario producto de la explotación simbólica-, es un comentario acerca de la realidad estadounidense que a pesar de campañas de lo políticamente correcto todavía no pueden quitarse el fantasma del racismo. Como mencionaba antes, Millar sabía que no podía hablar directamente sobre lo que le molesta del sistema gringo., a cambio de ello, le bastó evidenciar la problemática de una secesión que hasta el momento tiene al universo Marvel fracturado.
Es también Millar quien ha criticado duramente el anquilosamiento de los personajes (por algo quiere escribir a Superman) y considero que el desenmascaramiento de Spider Man lo concibió como una manera de tratar de reactivar al personaje otorgándole un estatus novedoso, que se lo haya vendido al editor como una forma de aumentar las ventas ya es otro cuento. Lo que no deja duda es que, a ojos de Millar y de varios de los que lo leímos, desenmascararse era la actitud más congruente del personaje en ese momento.
Y hablando de actitudes, otro de los comentarios negativos sobre CW es que no se ha respetado las características que han definido a varios de los personajes, en otras palabras, no se supo mantener una caracterización acorde a lo que se supone representa cada ícono. Me remito a lo anterior, Millar considera que es necesario reactivar a varios de los personajes y si para ello es necesario romper algunos dogmas o paradigmas, lo hace sin problemas. Recordemos que el valor principal del que se habla en CW es la libertad, el escritor abusa de ella y nos entrega algunas caracterizaciones exageradas a fin de que queden bien planteadas las situaciones. Efectivamente, una madre no abandonaría a sus hijos, pero el que Sue Richards deje a su familia nos habla del conflicto civil a otro nivel. Que los héroes se quejen de trabajar junto al Punisher cuando anteriormente han tenido infinidad de team-ups con él es otra forma de burlarse de la hipocresía gringa innata. Pero lo que siempre hay que tener en cuenta es que los personajes son entes ficticios, cuya vida depende del escritor en turno, y es el escritor quien debe mantenerlos frescos e interesantes, listos para provocar la mayor reacción en el lector.
F: “Son personajes ficticios”; ese siempre ha sido el argumento de escritores mediocres y que no saben de lo que se trata narrar cómics de superhéroes (eso y “consíganse una vida”). San Millar no cambia las personalidades de los héroes para contar algo, lo hace sólo para causar shock y escándalo entre los lectores que conocen a los personajes. No hay una gran estrategia creativa y mucho menos un concepto que unifique lo que está contando, sólo la actitud casi adolescente de un escritor bastante vulgar que ha basado su carrera en el escándalo y la violencia gratuita. Si quería escribir a los Avengers como personajes que no son, haber ido a escribir su propia serie a otro lado donde no sean los personajes que conocemos y queremos… no, esperen… ya lo hizo, y lo hizo mal, en su primer arco del cómic Authority de Wildstorm. Si se analizan las mejores historias de superhéroes que recordemos, al menos aquellas que usen personajes bien establecidos en los dos universos fuertes, siempre serán aquellas que hayan respetado lo que se hizo antes y la esencia de los personajes a usar.
Y después de leer casi una oda a San Mark Millar no me queda más que decir que, como obra aparte: ¡LA MINISERIE ESTÁ MAL ESCRITA! Por tres números se enreda en una serie de recuentos de situaciones sin ningún tipo de desarrollo dramático, dejando el peso de la historia en los títulos individuales de los héroes, y aún entonces comete errores garrafales como involucrar a The Thing en la pelea, cuando en su título madre lo vimos partir a Francia apenas iniciado el conflicto. Los dos grandes momentos de la miniserie son, en primer lugar, la pelea con Thor, que se lleva dos números, y en la que la única baja es un héroe menor (con todo y la lectura a todas vistas exagerada del comentario antirracista), para descubrir que, además, los “pro-registro” son capaces de defender una ley (el registro) pero violar otras (como la clonación). El segundo es el enfrentamiento final durante los últimos dos números, que no sólo no causa gran revuelo, las bajas son nulas, no hay una verdadera muestra de la situación, carece de peso dramático y, por si fuera poco… ¡ES LO MÁS DECEPCIONANTE DESDE STAR WARS: EPISODIO 1! El Capi va ganando, él ordena que se lleve la pelea a la ciudad… ¡Y SE RINDE! convenientemente dejándolo todo bien puesto para su asesinato un mes después.
Por mi que Mark Millar se vaya a hacer novelas gráficas. Y si se lleva a Joe Quesada con él, todavía mejor.

Como podrán darse cuenta, las posturas son ríspidas y a un año de su publicación original CW todavía está dando de que hablar. A final de cuentas la opinión más importante es la suya queridos lectores. ¿Es CW un buena historia? ¿O simplemente fue un evento más para saquear los bolsillos de los lectores? La respuesta, estimados, está en los ojos de quien la lee.

De ojos rasgados

2009-11-17T12:12:00.000-08:00

Si todo sale bien, en el próximo número de Comikaze (la revista de l@s conocedor@s) vendrá la segunda parte de un texto sobre el cine de los otros cómics. Ahí menciono una cinta japonesa llamada Uzumaki, tan buena, que siempre que puedo la recomiendo. Como en el texto de Comikaze no pude explayarme a fondo sobre ella, aprovecho que alguna vez escribí el siguiente artículo sobre el manga que le dió origen.
No me gusta el manga en general, me parece monótono y manipulador, pero algunas cosas, como la obra de Junji Ito son de lo mejor que hay en el mundo de las viñetas. No digo más mejor lean el texto y, si pueden, consigan el cómic.

UZUMAKI. DESCENDIENDO HACIA EL HORROR.

No todo el manga son robots, niños superdotados, niñatas estúpidas o pornografía barata. Afortunadamente existen autores que tratan de innovar ya sea apelando a la razón, o mejor dicho, a la sinrazón. Junji Ito nos demuestra por qué el miedo es una espiral sin fin hacia la locura y que el cómic japonés es más divertido cuando no es tan famoso.
El técnico dental obsesionado con el cabello.
Junji Ito estaba cansado de ver el interior de las bocas de sus pacientes. Las gargantas le parecían pozos sin fondo, las encías infectadas asemejaban flores de carne y sangre, y los dientes le recordaban fetos calcificados. De no ser por su afición a escribir y dibujar cómics de horror de seguro se hubiera vuelto loco y habría terminado sus días como el más grande asesino serial de la tierra del sol naciente.
Afortunadamente (para nosotros) lo que pudo ser una brillante y mediática carrera como criminal se convirtió en una brillante y mediática carrera como mangaka, al ganar el prestigioso premio Umezu Kazuo para mangas de horror con la entonces naciente Tomie, la historia de una chica que enamora a todo el que la conoce y que no puede morir. Tomie ganó por presentar una historia surrealista ubicada en un ambiente ordinario, provocando un choque en la mente del lector, al enfrentar lo conocido con situaciones demenciales y por definir al amor como un mero deseo irracional, tan irracional que puede hasta matar.
Ésto último es lo que impresiona de la obra de Ito, la forma en que representa la muerte es todo menos “normal”, lo que le hizo acreedor de una fama sanguinolenta y le acarreó una legión de fans. Me atrevo a asegurar que es el escape que el autor da a sus bajos instintos plasmándolos en papel y tinta lo que evitó que se convirtiera en un despiadado asesino, solazándose en los ríos de tinta más que en los de sangre.
Espirales y remolinos.
Pero no fue sino hasta que publicara la ahora ya famosa Uzumaki que Junji Ito se ganó un lugar en el cómic mundial, gracias en parte al boom del cine de horror japonés que permitió la adaptación de sus obras y por ende su distribución mundial, permitiendo a occidente descubrir un espectro del amplio panorama del cómic japonés (o manga como le llaman los clavados) pocas veces visitado.
Uzumaki (literalmente, espiral) es la historia de un pueblo encantado –o maldito, según el color del cristal que la moral propia otorga-, acechado por espirales que se aparecen hasta donde uno menos se lo espera: cabellos, remolinos de agua, caracoles, enjambres de insectos, úteros, galaxias y el mismo pueblo adquieren la forma que representa un eterno descenso hacia lo desconocido o un irracional girar en busca de lo inencontrable.
Mientras que el surrealismo de la obra puede encontrarse en las aberrantes transformaciones, tanto físicas como psicológicas, que sufren los habitantes del pueblo –uno se mete a una lavadora para quedar convertido en espiral, algunos se convierten en caracoles, otro se saca las espirales de los oídos en su afán por no ser presa de la maldición-, el realismo se representa como el abandono de la colectividad que está atravesando el pueblo japonés. La obsesión de la gente por las espirales no es más que un comentario sobre la alienación que sufren los nipones al ser esclavos del trabajo, al escuela o el mantenimiento del honor. Ito ilustra ese comportamiento como una espiral que los llevará hacia el olvido, únicamente para resurgir de nuevo una de vez aparezca la que ocupará el lugar de la anterior. Quien no conoce su historia está condenado a repetirla.
De Providence a Korouzo-cho.
Uno de los lugares a los que Uzumaki nos remite es la obra de H. P. Lovecraft, al retratar de modo tan contundente el miedo a lo inenarrable. Si Lovecraft se encargó de explicar, o mejor dicho, definir el terror irracional (parece pleonasmo pero si lo analizan verán que no es así), Ito lo aterriza en situaciones y objetos comunes ¿Cómo es que una espiral puede provocar miedo? Contextualizándola en un ambiente en donde rompa los esquemas de seguridad emocional que todos tenemos. Uzumaki produce terror, dejando aparte el explícito lado gráfico, por exponer el lado mundano que todos tenemos pero que todos procuramos esconder. Las espirales son las bajas pasiones, los complejos, los traumas –tanto emocionales como físicos-, en suma, son todos lo miedos comunes y corrientes que todos tenemos pero que pocos aceptan, de ahí que la lectura del cómic produzca escalofríos hasta en las mentes más fuertes.
La influencia lovecraftiana aparece también en los terrores primordiales y añejos que ya se han vuelto tradición. Si Lovecraft con su obra intentó remitirnos a épocas perdidas, Ito retoma la idea y admite que son esas épocas, y su correspondiente entorno sociocultural, así como la necedad de mantener la tradición, lo que impide que los habitantes del pueblo de Korouzo-cho caigan en cuenta de la situación por la que atraviesan, permitiendo a la espiral apoderarse de sus vidas.
Junji Ito y el séptimo arte.
A raíz del éxito de The Ring, la fiebre por obtener material para realizar películas japonesas de horror fue tal que Uzumaki fue llevada al cine antes de que fuera completada. Tomie también fue adaptada, alcanzando la friolera de 8 películas basadas en el personaje que le abrió las puertas al autor.
Uzumaki, la película, más que ser una adaptación del manga, es un extensor del universo propuesto por Ito. Aunque algunas situaciones están calcadas de la obra original, el desarrollo de la historia sigue otros derroteros, además de aprovecharse de la plasticidad que el cine otorga para proyectar las espirales a diferentes niveles. Así, además de las transformaciona de los personajes, las espirales aparecen como efectos especiales o como tomas de cámara, dando la sensación de estar siendo engullido por la pantalla.
Y al final del remolino…
Como decía al inicio, “Uzumaki” no es el típico manga superficial y vacío al que nos han acostumbrado las distribuidoras mexicanas. Es una obra que sin ser demasiado compleja aprovecha las ventajas del medio para entregar un historia horripilante, escabrosa y muy explícita, aunque manejando comentarios sociales de una manera velada y metafórica (como casi todas las obras de terror hacen).
Quizás al final deja una sensación de que la historia está incompleta, nada más falso, esa sensación no es más que el producto de descubrir, en cabeza propia, que muchos de nuestros miedos son infranqueables, a menos que nos demos cuenta que somos nosotros mismos quienes los producimos.

Y con ustedes...

2009-11-13T09:11:00.000-08:00

La siguiente es una lista de esas que a todo mundo nos encantan. Para el "especial" de villanos, hubo una encarnizada batalla entre los colaboradores para definir cuales personajes integrarían tan prestigioso listado.
Al final creo que no quedó tan mal, aunque el primer lugar no debería serlo (el pato de Living with Shine debió haber quedado), sin embargo, creo que lo importante era divertirse haciéndolo y leýendolo.
Como dato curioso, este texto salió sin mi crédito debido a los caprichos de los "editores", así que ya saben yo lo escribí... aunque no estuve solo. Cuando se definió la lista había algunos villanos de los que no estaba tan empapado y otros cuyos nominadores me solicitaron escribir las entradas. Cre que es el momento de hacer pública esa información, sobretodo para no repetir el error de no otorgar crédito, sea pues: las entradas de Black Adam y Superman Prime las escribió la mitad del cerebro del arriba mencionado Shine, Oscar Amador; Cassandra Nova fue cortesía de un nuevo compañero llamado David Mimila. Dichas colaboraciones fueron editadas y adecuadas a los espacios por mi (y editadas en serio, no nomás las recorté a lo buey) y al final quedó un texto que me gustó mucho hacer.
Gracias a los compañeros que apoyaron y ojalá en un futuro podamos volver a colaborar.

MALOS, MALOS, MALOS. LOS MEJORES 20 VILLANOS DEL CÓMIC.

¿Qué hubiera sido de Julio César sin Bruto? ¿La pasión de Cristo sería lo mismo sin la traición de Judas? ¿Habrían construido los chinos una de las maravillas del mundo de no ser por la amenaza constante de Genghis Khan? ¿Se habría mantenido George Bush en el poder de no ser por los “aviones de Osama”? Si hay algo que la historia nos ha demostrado es que el mundo pertenece a los malos, y es su maldad la vara que mide la grandeza de un héroe. Sean bienvenidos al conteo de lo que el staff de su amigable revista considera los mejores 20 villanos en la historia del cómic moderno. ¡Aguas! Puede que no salgan vivos de aquí.
20- El Mandarín.
Descendiente directo de Genghis Kahn y con 10 anillos de poder, es difícil encontrar mejor villano para Iron Man (bueno, descontando el alcohol). Si Tony Stark es el mejor tecnólogo sobre la Tierra, el único que puede hacerle frente es el Mandarín, la diferencia es que este hijo de la Chinada trabaja con tecnología extraterrestre.
19- Ultrón.
¿Existe algo peor que un robot indestructible que se rebela contra su creador e intenta dominar el mundo? Los Avengers saben que no, por eso tiemblan cada vez que este villanísimo androide regresa de los cortos circuitos.
18- Venom.
Sí, Green Goblin es el mejor villano arácnido, pero toda una generación crecimos leyendo a Venom, el lado oscuro de nuestro superhéroe favorito. Más fuerte, más rápido e indetectable para el trepamuros, la única razón por la que no ha podido derrotarlo es porque Peter Parker es más listo. Así que ya saben, a leer se ha dicho.
17- Herr Starr.
¿Villano o antihéroe? Starr utiliza la religión como medio para hacerse de poder, poder que lo ha llevado a ser semidevorado por caníbales, violado por prostitutos, castrado por un perro y que su cabeza parezca un pene gigante. Preacher no sería lo mismo sin su presencia.
16- The Corinthian.
Literalmente, una pesadilla que se encarna y comienza a rondar nuestro mundo. Qué mejor villano para Morpheo –Señor del Sueño- que una de sus propias creaciones vuelta rebelde y que, al haber sido creado con las arenas de los sueños, pues… no tiene madre.
15- Dos Caras.
A Batman lo que más le molesta de sus villanos es su impredecibilidad. Con Dos caras es peor porque en su retorcida mente el azar juega un papel importante, así que siempre habrá dos opciones aunque nunca llegue nada bueno de alguna de ellas.
14- Black Adam.
Un poderoso Dios Oscuro capaz de hacerle la Guerra al mundo entero. Una violenta y trágica oleada de odio que puede destruir con sus propias manos incluso a los Jinetes del Apocalipsis. Y detrás de todo esto, un corazón destrozado que sólo deseaba vivir en paz. Que tiemblen los mortales ante el rugido de su trueno embravecido, que tiemblen ante el nombre de Black Adam.
13- Magneto.
¿Es realmente un villano? Magneto es el ejemplo perfecto de que todo depende del cristal con que se mire. La relatividad moral fue introducida al comic mainstream con este genial personaje que sin empachos a pasado de villano a héroe y de regreso, demostrándonos que una causa bien vale la pena.
12- Ra’s al Ghul.
No contento con querer eliminar a la mayor parte de la población mundial (ojalá lo logre) y gobernar un clan de asesinos terroristas, es inmortal gracias sus pozos de Lázaro, que, para acabarla de amolar, lo ponen bien loco. Lo único bueno en su vida ha sido engendrar a la única persona que ha logrado doblegar al detective.
11- Kid Miracleman.
Peor que un adolescente calenturiento con acné es un adolescente calenturiento con acné y superpoderes. Esta versión retorcida del Captain Marvel Jr. Nos dejó sin aliento al revelarse como el hombre más poderoso del mundo. Ojalá tuvieramos 15 años de nuevo.
10- Joel Schumacher.
No nos confundamos, Schumacher es un director malo, que no malvado. Por culpa de él estuvimos a un chirris de quedarnos sin películas basadas en cómics y todo porque al muy imberbe se le ocurrió que regresar al Batman caricaturesco de los 60, usar peluche rosa y poner a sobreactuar a su actores sería lo mejor que podría pasarle al universo batmaniano de las primeras cuatro películas, echando por la borda el boom conseguido por Tim Burton. Ahhh, y no olvidemos su mejor invención: los batipezones. Científico loco como pocos.
9- Superman Prime.
Odio, resentimiento, inmadurez, inmisericordia absoluta; todo eso y un poder inconmensurable hacen de Superman-Prime uno de los villanos más peligrosos del Universo DC.
Este personaje se ha convertido en un clásico instantáneo, siendo una de las figuras centrales de los últimos grandes acontecimientos de su editorial. Ya sea por su malevolencia infantil, su comportamiento de fanchiquillo o la verdadera tragedia que lo envuelve, Prime será sin duda uno de los villanos a los que vale la pena seguirle la pista.
8- Cassandra Nova.
Este mummudrai (especie de parásito incorpóreo) fungió como gemelo malvado espiritual de Charles Xavier, cuyo cuerpo fue “asesinado” por Xavier en el vientre materno. Responsable de la muerte de 16 millones de mutantes, de la revelación al mundo entero de la verdadera naturaleza del Instituto Xavier para Jóvenes Dotados, de la locura de la Emperatriz Shi’ar Lilandra y de la casi destrucción de su imperio, además de propinarle a Beast una brutal golpiza utilizando a un mutante llamado Beak, Cassandra Nova es el mejor villano que ha surgido en los cómics Marvel en mucho tiempo.
7- Sinestro.
Imaginen un policía que al poseer el arma más poderosa del universo se convierte en un ente sediento de poder, que intenta imponer el orden a un cosmos que él considera enfermo. Ahora imaginen que para llegar a ese orden se vale del sentimiento más viejo que los seres vivos han conocido: el miedo.
Sinestro es el miedo encarnado, lo único que puede vencer la voluntad de los Linternas verdes y por ende, lo único que puede ganar la guerra del espectro emocional. En “The Sinestro Corps War” Sinestro perdió la batalla… pero ganó la guerra.
6- Jack The Ripper.
Cinco víctimas reconocidas nada más, aunque bien servidas. En realidad lo que nos atrae tanto de Jack es el misterio que rodea a su identidad. ¿Miembro de la realeza? ¿Médico psicópata? ¿Enviado de dios? En From Hell, Alan Moore juega con todas estas interrogantes y nos da la, hasta ahora, mejor explicación sobre el destripador de Whitechapel: un médico enviado a asesinar a la madre e hijo bastardo nonato del príncipe Albert Victor. ¿Fantasiosa? Sí ¿Plausible? Macabramente sí.
5- Lex Luthor.
Ya sea como supervillano enfundado en un traje verde/morado y con una armadura de poder, o en su papel de empresario falto de ética y valores, Lex es la horma perfecta para el dios Superman. Intocable gracias a su poder social y genio como pocos, Luthor odia a Superman únicamente por el hecho de ser bonito, o mejor dicho, por que Lex jamás podrá llegar a ser lo que Superman es: un superhombre admirado, querido y deseado por l@s terrícolas. Bueno, eso y que está calvo.
4- Dr. Doom.
Lo único que puede contraponerse a la inmensa mente de Reed Richards es otra mente igual de inmensa, pero sin moral. Victor Von Doom supo que la única forma de derrotar en a Mr. Fantástico en el plano académico era seguir caminos de dudosa reputación. Mezclando magia y ciencia ha logrado llegar a conocimiento que ni los meros científicos obtienen en sueños. A pesar de ello, esa pequeña cicatriz en su barbilla le impide llegar a la perfección, cosa que no lo deja dormir.
3- Green Goblin.
Veamos: a) descubrió la identidad de Spiderman y lo estuvo acosando, b) También acosó a su familia y amigos, c) mató al primer amor de Peter, d) antes de matarla se divirtió con ella y la embarazó, e) volvió loco a su propio hijo, f) regresó de la muerte.
Si todo lo anterior no justifica que sea el tercer mejor villano entonces nada lo haría… ahhh, quizás decir que con él todos conocimos la tragedia. Así es, todavía extrañamos a Gwen.
2- Red Skull.
¿2º lugar? ¿Nos cae? Baste decir que tener la misma cara de la muerte (pero en rojo), haber sido (y ser) un nazi recalcitrante, haber engendrado y criado una hija igual de vil, haber volado la mitad de Philadelphia y…cha cha cha chaaaaan… haber matado a Captain America ha subido los bonos de este personaje hasta hace unos años olvidado. De la mano de Ed Brubaker -escritor de Captain America- el Cara Roja ha pasado de ser un mero chalán a una de las mayores amenazas del Universo Marvel. ¡Heil Skull!
1- Joker.
Si contara chistes buenos nos mataría de la risa, si contara chistes malos nos mataría del aburrimiento, sea como sea acabaría por matarnos, ese es su chiste. El problema con el Joker es que nunca se sabe que va hacer, lo que lo convierte en la peor amenaza dentro de cualquier universo comiqueril, pues al carecer de motivos criminales, sus objetivos son guiados por la más baja naturaleza humana, aderezada con una psicosis que va más allá de lo criminal. Batman ha sido capaz de frenar a la Liga de la Justicia por completo, pero su gran falla ha sido el jamás poder frenar al Joker (risas macabras por favor).

Puros cuentos 4

2009-11-12T08:21:00.000-08:00

La extinta revista de cómics alguna vez publicó un "especial" sobre villanos. Justo durante su concepción tuve mi desencuentro con los "editores" y la siguiente columna no fue publicada, aunque sí publicaron el listado de los 20 mejores villanos que hice, obviamente sin darme el crédito correspondiente.
Lo siguiente que leerán es una pequenísima disertación sobre lo que considero son los principales lastres que los cómics han tenido. Cualquier comentario es bienvenido y a partir del siguiente número esta columna presentará cosas totalmente nuevas.
Ahhh, por si se preguntaban, el listado de los 20 villanos lo tendrán mañana.

Villanos reales del mundo comicñero.

Aprovechando el especial de villanos de ocupa todo lo ancho y largo de esta revista, me permito poner a su consideración lo que, en mi humilde opinión, constituyen las más grandes abominaciones que han asolado al mundo de la fanchiquillada.Y no me refiero a Sinestro o al Dr. Doom (que injustamente no ocupó el primer lugar en nuestro conteo, bújuju), estoy hablando de villanos que existieron –o existen- en nuestro propio universo de risas y tragedia. ¡Aguas con el primer lugar que es el pior de piores!
3- Fredric Wertham.
Este verdadero científico loco tuvo la ocurrencia de que los cómics eran una mala influencia para la juventud gringoliana, ya que con sus sensuales mujeres, escenas de horror explícito y ayudantes de superhéroes en calzoncillos, los chiquillos podían convertirse en psicópatas, pederastas, o lo que es peor ¡En psicólogos!
En su libro Seduction of the innocent, Wertham realiza un análisis superfluo en donde pone como ejemplo de perversión total el que Superman desafíe las leyes de la gravedad, pues los inocentes hijos del american güey of life pueden arriesgar su vida al arrojarse de edificios de treinta pisos.
Pero eso no es lo peor. Lo peor fue que el congreso estadounidense se tragó toda esa basura psicologista enterita, censurando el contenido de los cómics por medio del comic book code, lastre que impedía, entre otras cosas, la aparición de vampiros, hombres lobo y enanos en las páginas de nuestros queridos cuentitos. Huelga decir que Wertham impulsó la total prohibición de las historietas… y estuvo a punto de conseguirlo. ¡Qué miedo!
2- Los especuleros.
a) Los 90 fueron los años de la burbuja comiqueril, en la que todos creíamos (mea culpa) que nos haríamos ricos comprando la nueva sensación editorial. Los cómics se compraban por caja y la hiperabundancia de copias saturó el mercado hasta que por poco se cumple el sueño de Wertham de desaparecer las historietas de la faz de Gringolia.
b) Van a una “convención”, de esas casi mensuales en nuestro país, y ¡Horror de horrores! Los precios son elevadísimos para artículos que tiene un mes de haber salido: los juguetes están al triple de su precio de lista, las ediciones mexicanas muchísimo más caras que sus versiones originales, y encima, el vendedor cree que sabe más que tú. ¡Cárcel para el abusivo! Aunque ellos no existirían de no ser por los…
3- Fanchiquillos.
Leen sin espíritu crítico, alaban por moda o por quedar bien y compran sin pensar. Es por ellos que las vulgares ediciones mexicanas alcanzan precios estratosféricos, pues pagan lo que sea con tal de presumir que tienen lo que, en su versión original –es decir, gringa y sin cortes- vale muchísimo menos y además tiene una verdadera plusvalía (¿Ven? Ya me salió lo especulero). Pseudocomiqueros que no se dan cuenta que al sobrepagar no están obteniendo un tesoro, les están viendo la cara ¡Puaj!

Mitos y leyendas

2009-11-11T08:22:00.000-08:00

El siguiente texto es, hasta donde se, inédito. La razón de mi duda es porque fue escrito para un abortado proyecto de revista de ciencia ficción, impulsado por las mismas personas que "hacían" la otrora revista de cómics.
Ignoro si se publicó algún número de dicha revista e ignoro todavía más si salió este texto, cosa que no me habría gustado dado que por los retrasos de publicación hubiera quedado anacrónico. Fue escrito antes de que se estrenará la última versión de la adaptación del libro de Matheson, de ahí que no me clave con ella y se escribió justamente para aprovechar el impulso de la publicidad de la cinta.
Si alguien sabe si se publicó dicha revista por favor hágamelo saber para terminar con la leyenda urbana. Aunque ahora que lo pienso, puedo decir que soy leyenda ¡Ja!

SOY LEYENDA. MATHESON, SU LIBRO Y LAS PELÍCULAS.

Pocas son las obras cuya influencia trasciende el medio que las vio nacer. I am Legend es, sin duda alguna, un referente dentro de la literatura de terror, inaugurando el subgénero del horror de sobrevivencia, tan en boga hoy dentro de videojuegos y películas de culto. Echemos un vistazo a las adaptaciones que se han hecho de ella para la pantalla de plata.
Nace la leyenda.
Quizás el nombre de Richard Matheson no le diga nada al neófito de la literatura fantástica, especialmente si no se ha leído una suficiente cantidad de ciencia ficción. Pero si mencionamos que este escritor estadounidense fue pilar fundamental de la etapa clásica de The Twilight Zone (Dimensión Desconocida, la antigua serie en blanco y negro), que ha escrito varios guiones para clásicos del cine como The Pit and the pendulum (basado en la obra de Edgar Allan Poe), que varias series legendarias de televisión como The Night Stalker y Star Trek lo tuvieron entre sus guionistas, y que libros suyos como The Shrinking man y el que nos ocupa, I am Legend, son clásicos del género, tanto en su versión literaria como en sus adaptaciones cinematográficas, queda más que demostrado que Matheson es uno de los escritores más prolíficos y reconocidos dentro del mundillo cienciaficcioñero.
I am legend (o como se conoce en nuestro país, Soy Leyenda) es, sin lugar a dudas, una de las novelas seminales en el entonces jóven género de la ciencia ficción, tanto por la temática que aborda, como por la forma en que lo hace, además de combinar, de manera magistral, la ciencia ficción con el terror en su estado más puro. Escrito en 1954, el libro relata la historia de Robert Neville, el último sobreviviente de una hecatombe sanitaria, que día tras día –o mejor dicho, noche tras noche- tiene que lidiar con las hordas de vampiros que asolan el lugar donde vive, deseosos de chuparle hasta la última gota de sangre. La novela impacta más por la narración del estado mental de Neville –relatando de manera brutal la soledad en que se encuentra y la claustrofobia que el pasado le produce- que por la idea de ser acosado por chupasangres. Como buena novela de ciencia ficción, Neville busca la manera de acabar de una vez por todas con la raza de mutantes, aplicando el ensayo y error a las múltiples pruebas que realiza, y mata el tiempo estudiando sobre fisiología y inmunología, tratando de encontrar una forma eficaz de acabar de una vez por todas con sus “amigos”, aunque en el fondo, lo que realmente desea, es encontrar una posible cura.
El impacto causado por la novela ha sido tal que tres veces ha sido llevada al cine, siendo la más reciente la versión protagonizada por Will Smith, que promete ser la versión definitiva, adaptando fielmente el embrollo psicológico con el que Matheson nos aterrorizó hace 54 años.
The last man on earth.
Así se tituló la primera versión de la novela en el cine. Protagonizada por el amo del terror Vincent Price, esta cinta es una versión fiel al libro, pero problemas dentro de la producción –al ser una coproducción entre Italia y EU hubo dos directores, cada uno de los cuales quería meterle mano para ajustarla a sus respectivas audiencias- hicieron que al final resultara una película mediocre.
A pesar de lo anterior, la cinta tiene algunos chispazos de la fuerza que el libro contiene. Vincent Price entrega una actuación bastante creíble, mostrando a un hombre cansado, sin esperanza, que día a día tiene que lidiar con la plaga, situación nada agradable y menos cuando fue él mismo quien tuvo que matar a su mujer cuando ésta fue contagiada. La soledad del personaje principal es acentuada por el color blanco y negro en el que fue filmada la cinta (¡Todavía no había color chiquillos!), además de que el bajo presupuesto con que se filmó nos otorga una ciudad desierta bastante austera, realzando la sensación de abandono y angustia que la novela relata.
Para algunos, ésta es la versión definitiva, sobretodo por no ser una película llena de acción y grandes efectos especiales (como acostumbraban ser las cintas de ciencia ficción de la época dorada). Puede decirse que ésta es una de las primeras películas de ciencia ficción psicológica que se hicieron, aunque, lamentablemente, el resultado se ve opacado por una falta de ritmo que ni la excelente actuación de Price logra compensar, razón por la que el mismo Matheson prefirió utilizar el pseudónimo Logan Swanson a firmar el guión con su nombre.
The Omega Man.
Durante los años 70 únicamente existía un héroe de acción: Charlton Heston. Quizás lo recuerden por películas como El Planeta de los simios, Soylent Green (que se conoció en nuestro país con el profético título de "Cuando el futuro nos alcance") o Earthquake (la jaladísima "Terremoto"). La fascinación que el hoy pistolero actor ejerció en las mentes de los cinéfagos adictos a la adrenalina inteligente lo colocó como el salvador del mundo por excelencia, por lo que para representar el papel del último hombre vivo sobre la Tierra no existía otra opción. The Omega man es todo lo que su antecesora no fue: un festín de escenas de acción –persecuciones en autos, balazos, peleas a puño limpio-, una cinta trepidante que no da tregua al espectador, y una adaptación muy libre del texto original.
Mientras que en libro queda más que enfatizado que la plaga que terminó con la humanidad es el vampirismo, en esta versión los hematófagos son convertidos en una raza de mutantes albinos, a medio desollar por efectos de, suponemos, una fuerte radiación. Los mutantes han devenido en una especie de culto religioso que más que querer cenarse al protagonista parecieran quererlo convertir a su fe. Heston hace gala de su carisma aventurero y se enfrenta a ellos con garra y tesón, demostrando ya desde entonces su gusto por las armas de fuego.
A pesar de ser la típica superproducción hollywoodense, The Omega man se da tiempo para hacer comentarios y críticas sociales, sobretodo en lo que respecta al apocalipsis nuclear y el abuso científico del ser humano. El Robert Neville de esta cinta sabe quienes fueron los verdaderos culpables del estado mundial que le tocó vivir y no tiene empacho en recordarlo cada vez que atraviesa a un mutante.
Neville se asolea.
Por primera vez producida con su título original, I am legend promete ser la versión definitiva en cine del libro que inspiró a George Romero a realizar sus películas de zombis, que demostró que la ciencia ficción también podía ocuparse del interior de las personas, y que desarrolló todo un nuevo subgénero multimediático, el horror de sobrevivencia, caracterizado por relatar la angustia y ansiedad que el ser perseguido por amenazas, reales o imaginarias, produce en la mente de los protagonistas y en su entorno social.
Will Smith es el encargado de darle vida a un Robert Neville tan atribulado y lleno de retrospecciones como su contraparte literaria, manteniendo una esperanza de salvación que noche tras noche es disipada por las invitaciones a salir de los vampiros. El resultado pueden verlo en la pantalla, cada quien tendrá su opinión, lo que es cierto es que en un mundo donde las películas de ciencia ficción se caracterizan por ser carnavales de efectos especiales, es interesante redescubrir una historia en donde el fondo se privilegia sobre la forma, donde la humanidad intenta sobrevivir frente a sus propios monstruos, y en donde el relato se convierte en leyenda.

Actualización:
Como decía en la introducción, cuando escribí el texto todavía no se estrenaba la versión de Will Smith, ahora que ya le han pasado un par de años puede decirse que esa cinta decepcionó, ya que no logra capturar la esencia del libro. Si bien la soledad del protagonista se observa de manera magistral (como en esa escena donde se atreve a hablarle al maniquí), todo se va al traste cuando se encuentra con otros sobrevivientes, situación que rompe con la intención de la novela. Por supuesto que el final feliz es parte de la manufactura gringa y habrá quien diga que el final no es feliz puesto que el protagonista muere (¡Chin, ya les arruiné el final! Jajaja) pero si leen el libro se darán cuenta que la frase que le da título es muchísimo más macabra y contundente que convertirse en leyenda por salvar a una humanidad que se inventaron para la cinta.
Pueden ver otra crítica para la película aquí.

Rey de la red

2009-11-10T13:19:00.000-08:00

Como casi todo el mundo, admito que mi superhéroe favorito es el Hombre Araña (sí, Hombre Araña, nada de Spiderman ni de anglicismos que se ven ridículos en un cómic traducido al español).
No entraré a discutir el por qué, pero los fanáticos del arácnido somos legión y es por ello que a los editores de la extinta revista de cómics se les ocurrió que publicar una revista enfocada exclusivamente a los ires y venires de nuestro amistoso vecino sería una magnífica idea, lo que sería correcto de no ser por su intención de publicarla mensualmente.
A fin de cuentas no se cuantos números salieron, como especiales dentro de una revista que se publicaba regularmente, y para el primer número me tocó aventarme la siguiente lista, en la que estoy seguro pocos discordarán conmigo.
Y nomás como chisme, la imagen de arriba corresponde a la portada del disco de la banda sonora de la caricatura setentera, sin duda alguna la mejor que se ha hecho de mi superhéroe favorito, y por ahí lo debo de tener en casa de mis padres. No lo vendo.

¿POR QUÉ NOS GUSTA EL HOMBRE ARAÑA? 10 RAZONES

10.- Por la asombrosa galería de villanos.
¡El Lagarto! ¡El Arenero! ¡Venom! ¡Dr. Pulpo! ¡Kraven! ¡Electro! ¡Rhino! ¡Carnage! La lista es casi interminable, y cada uno más temible que el anterior. Algunos hasta han descubierto quien está bajo la máscara de telarañas, lo que los convierte en el mayor peligro para el trepamuros. Sin embargo, nuestro arácnido héroe siempre ha sabido lidiar con ellos, aún cuando hayan sido sus amigos los que intentan acabar con él.
Siempre se ha dicho que la calidad de un superhéroe de historieta está determinada por el nivel de amenaza que representen sus villanos, con Spider-man queda más que demostrado, no sería nuestro ídolo si no fuera capaz de acabar con cuanto maloso se le pone enfrente ¿Lo mejor? Siempre lo hace con un magnífico sentido del humor ¿Lo peor? Que llevamos más de 15 años sin la aparición de una nueva amenaza que amenice las aventuras de Spider-man.
9.- Por Steve Ditko, John Romita, Todd McFarlane y Mark Bagley.
Ditko lo trazó como el tipo que te puedes topar en cualquier esquina, Romita lo hizo un superhéroe en toda la extensión de la palabra, McFarlane le dio movimientos arácnidos y Bagley lo definió para el nuevo siglo.
Estos cuatro dibujantes han hecho de una simple imagen un ícono para millones, incrustando en nuestro imaginario colectivo lo que las palabras no pueden describir. Ya sea por los dibujos tan expresivos o por el dinamismo de las escenas dibujadas, estos cuatro artistas han dotado de vida propia los personajes y las aventuras de nuestro amistoso vecino, haciendo de nuestro mundo un lugar mejor… o por lo menos más tolerable.
8.- Por “El Capítulo Final”.
La escena es memorable: El Araña se encuentra bajo toneladas de acero, producto de una pelea con el Dr. Pulpo, frente a él se encuentra la única cura para salvar a su moribunda tía (¡Y no tiene nada que ver con Mephisto!). Haciendo acopio de una fuerza de voluntad increíble y demostrándonos por qué es un héroe –producto de un genial guión por parte de Stan Lee-, logra escapar de una muerte por ahogamiento sólo para encontrarse con los chalanes del Pulpo. El agotamiento es su mayor enemigo pero la idea de su tía muriendo es el único aliciente para que Spidey los derrote y entregue tiempo la salvación. En Amazing Spider-man # 33 podemos saber por qué el Hombre Araña es algo más que un superhéroe.
7.- Por El Duende Verde.
El padre de tu mejor amigo es un megalómano adicto a una sustancia que le da fuerza sobrehumana y que, al mismo tiempo, le bota la canica. Para acabarla de amolar, ese chiflado psicópata descubre que eres el más grandioso superhéroe jamás concebido. Tú:
a) Dejas que se le olvide, al fin que el suero provoca amnesia.
b) Te pasas de lanza con su hijo negándole las drogas por las que te suplica.
c) Dejas que sea atravesado por su propio planeador.
Nadie le dijo a Peter Parker que ser héroe sería fácil, pero Norman Osborn se encargó de demostrarle, día a día, que no lo es. Terrorismo contra familia y amigos, la amenaza constante de atacarlo en sus ropas de civil y el asesinato de la persona más importante de su vida fueron la prueba más contundente de que, efectivamente, con un gran poder viene una gran responsabilidad… y mucha tragedia.
6.- Por Mary Jane.
Imagina que la persona que llamas tu pareja te aguanta todo: salir de noche, no llamarle, vestirte con mallas, regresar lleno de marcas, y que alguna que otra vez tus “compañeritos de juego” se quieran propasar con ella. Aún así, esa persona te ama y comprende que lo que haces no es por egoísmo o soberbia sino porque es tu deber.
Mary Jane Watson-Parker sabía el paquete que se aventaba al casarse con Spider-man. Sabía que no iba a evitar que Peter arriesgara su vida a diario, sabía que algún día podría no regresar y sabía que se exponía a peligros inimaginables. Pero lo que la hermosa Mary Jane también sabía es que tenía la fuerza para soportar la preocupación, manejar la tensión y, sobretodo, apoyar a su marido. Por mujeres como tú, existen héroes como Spider-man.
5.- Por “La Noche que Gwen Stacy Murió”.
Gwen:
Cuando te moriste no sólo fue tu alma la que se escapó de este mundo, junto con ella se fue el primer amor de mi superhéroe favorito, se fue la esperanza de que todo saldría bien y se fue la sensación de que Peter estaba haciendo lo correcto. Pero lo que más me duele es que junto contigo murió la inocencia de miles de lectores que creíamos que con un poder venía una gran invulnerabilidad. Sí Gwen, la noche que moriste murió también nuestro niño interior, pero esa noche también nació en nosotros la idea de que el Hombre Araña no es un superhéroe, sino un ser humano… como yo.
4.- Por “El Niño que colecciona a Spider-man”.
¿Hace lo que una araña hace? Sí, ¿Atrapa ladrones? Sí, ¿Lanza telarañas de cualquier tamaño? Sí. Pero no es por lo anterior que amamos al Hombre Araña. Lo amamos porque aún cuando se encuentre exhausto, harto, intoxicado, electrocutado, magullado, o cubierto de arena siempre tiene tiempo para hacer lo correcto.
Cuando supo de la existencia de un niño que era su fan número uno, el Araña no tuvo empacho en ir a conocerlo, relatarle su origen e incluso revelarle su identidad secreta. ¿Acaso Peter se volvió loco? No, simplemente sabía que los fans saben guardar los secretos… hasta la tumba.
3.- Porque un gran poder conlleva una gran responsabilidad.
Y Peter Parker lo aprendió de la manera más dura posible.
Nunca una frase ha influido tanto en generación tras generación de lectores de cómics, y nunca una lección ha sido tan bien aprendida. Peter sabe que es su responsabilidad darle un uso correcto a sus poderes y aunque él no pidió tenerlos, sabe que no puede ignorarlos. La única forma de honrar la memoria de su tío Ben es recordar, a diario y a todas horas, esa mítica frase por la que muchos regimos nuetras vidas.
¿Y a que me refiero por un uso correcto? A hacer lo que el Hombre Araña hace. El mundo sería un lugar mucho mejor si tan solo hiciéramos caso de tan sencillas y sabias palabras.
2.- Por que Spider-man soy yo…
… Y eres tú, y es tu vecino, tu compañera de clase, tu hermana, tu primo, tu amigo, tu novia, el tipo de la esquina, la que te sonrió en la calle… en fin, el Hombre Araña es todos nosotros.
Peter Parker no es un dios todopoderoso, no es un espíritu vengativo ni quiere controlar el mundo para hacerlo un lugar mejor, vaya, ni siquiera es un superhéroe. Peter Parker es un ciudadano común y corriente que tuvo la fortuna –buena o mala, jamás lo sabremos- de adquirir habilidades extraordinarias. Gracias a una serie de sucesos circunstanciales descubrió que esas habilidades tenían un fin y que de él dependía llevarlo a cabo. A pesar de ello Peter no ha abandonado su vida personal, teniendo que lidiar con las cuentas, el trabajo, la familia y con gente necia, muuuuy necia (¿Me estás leyendo Quesada?). ¿Alguien se siente identificado?
1.- Por que ni la “Saga del clon”, “Maximum Carnage” o “One More Day” le han podido arrebatar el título de ser el mejor superhéroe de todos los tiempos.
Creo que es bastante obvio ¿no?

¡Lovecraft, Lovecraft!

2009-11-09T11:40:00.000-08:00

El siguiente texto va con dedicatoria a un lector al que le prometí algo sobre Lovecraft. Como anécdota, les diré que cuando fue publicado hubo un malentendido y se me acuso de plagio, acusación que fue aclarada y tan tan, resultó que fui inocente, todo ello se dió en un espacio internáutico público, así que con un poco de tiempo pueden encontrar la información y enterarse del chisme.
Algo que no habia aclarado es el por qué algunos textos al final tiene un apartado llamado "Friquipedia". En la extinta revista de cómics se nos solicitaba que, además del cuerpo del texto, incluyeramos información a manera de recuadros, para complementar la información. Muchas veces, por cuestiones de espacio, esos recuadros no se incluían en la edición final por lo que aquí están presenciando el debut de esos textillos inéditos. Si bien es cierto que esa información extra es casi casi de domino público, tengan en cuenta que cuando escribo un artículo siempre aplico la máxima de Stan Lee: Él decía que cada nuevo cómic lo escribía pensando en que ese podría ser el primer cómic de alguien, por lo que procuraba enterar de todo al lector. Yo soy de la misma idea, este texto podrá ser, para muchos, la introducción al fascinante mundo de Lovecraft y su literarura, por lo que procuro ser lo más básico posible (aunque para Comikaze estoy pesando en elevar el nivel ¡Puro sabihondo la lee!).
Gracias por leer y que Cthulhu (recuerden, se pronuncia tulu) les brinde pavorosas pesadillas.

LOS MITOS DE CTHULHU. LO INENERRABLE HECHO SECUENCIA.

Porque no está muerto lo que puede yacer eternamente, y aún a través de las edades la misma muerte puede morir.
Howard Phillips Lovecraft.

Sobre H. P. Lovecraft podrá hablarse bien o mal, pero es un escritor que no deja a nadie indiferente. Sus cuentos sobre civilizaciones extintas, criaturas prehumanas y semidioses arquetípicos son todo un referente y han creado una escuela en la literatura de terror. Sólo Alberto Breccia estaba lo suficientemente chiflado como para plasmarlos en papel y tinta.
El morador de las tinieblas.
Si le preguntan a cualquier aficionado a la literatura de terror quien es el mejor escritor la respuesta se reduce a dos nombres: Edgar Allan Poe y Howard Phillips Lovecraft. Pero si consideramos la totalidad de las obras de ambos próceres entonces no hay más remedio que otorgarle el reconocimiento al oriundo de Providence, el único que supo escribir acertadamente sobre el miedo a la oscuridad, a las casas abandonadas, y sobre ese temor irracional a comer pescado.
Los cuentos y novelas cortas de H. P. Lovecraft siempre han sido criticados por abusar de una retórica ambigua e indefinida, en donde adjetivos como inenarrable, indescriptible, inefable y pavoroso (más todos sus sinónimos) son utilizados para referirse a las criaturas del panteón que él creó. Nombres como Cthulhu, Shub Niggurath, Yog Sothoth, Nyarlathotep son parte del imaginario terrorífico, al igual que el mítico Necronomicón, libro de encantamientos cuya fama ha rebasado el universo literario y hay quienes dudan de que su existencia sea meramente fantasiosa. Pero para los miles de fanáticos que pululan por el planeta, son justamente esas descripciones lo que las vuelve tan atractivas, pues una de las características del miedo es la incapacidad de razonar sobre lo que lo produce. Por ello es que Lovecraft se ha ganado el corazón de lectores pues sólo él ha sabido escribir sobre la irracionalidad de nuestras fobias.
Sea como sea, es innegable que la pseudomitología (así la llamaba el autor) lovecraftiana ya se ha convertido en parte integral de la cultura, traspasando fronteras formales y llegando al cine, radio, televisión y cómics. Algunas veces con resultados superiores y la mayoría con decepcionantes frustraciones. Lo cierto es que intentar plasmar en imágenes la retorcida imaginación de Lovecraft no es tarea fácil, sobretodo si tomamos en cuenta sus descripciones tan a la ligera, sin embargo, un uruguayo loco sabía perfectamente como abordar ese problema.
El color que cayó del cielo.
En algún momento de 1974, mientras adaptaba algunos textos de un extraño tomo encuadernado en piel humana, Alberto Breccia sin querer susurró cierto encantamiento que lo dejó clínicamente malsano. Sólo así puede explicarse la forma en que ideó la representación de algunos miembros del panteón lovecraftiano como Cthulhu o Wilbur Whateley. Los dibujos de Breccia no son como las imágenes que uno se forma en la mente al leer a Lovecraft pero al mismo tiempo no resultan extrañas o fuera de lugar, de hecho producen cierta fascinación que hace imposible no observarlos una y otra vez.
Breccia ya se había hecho de fama al ilustrar novelas gráficas como Sherlock Time, Mort Cinder y El Eternauta (ésta última considerada cumbre dentro de la historieta argentina) por lo que no le costó trabajo convencer a Norberto Buscaglia de adaptar algunos de los cuentos de Lovecraft al formato de historieta. El resultado es considerado como la mejor adaptación que se haya hecho del solitario de Providence a los cuadros y viñetas, pues la adaptación literaria no pasó de reducir los textos para que cupieran en determinado número de páginas por lo que toda la intención de Lovecraft se encuentra intacta, así como los clímax de las historias, en donde Breccia redondea con imágenes tan perturbadoras como atractivas.
Un punto negativo es que justamente en ese afán por no alterar el corpus lovecraftiano, Buscaglia recarga las viñetas con una cantidad abrumadora de texto, problema que para los puristas no existe pero para los aficionados a las historietas se nota más como una falla que un mérito.
El horror de Dunwich.
Breccia y Buscaglia se dieron a la tarea de realizar la adaptación de ocho cuentos pertenecientes al ciclo de Cthulhu (aunque la obra de Lovecraft es vasta, sólo poco más de una docena de cuentos pertenecen de lleno a la pseudomitología cthuliana) incluyendo el que da título a la corriente del horror cósmico: La llamada de Cthulhu. Entre el resto se encuentran los que se consideran lo mejor del autor estadounidense como La sombra sobre Innsmouth, El color que cayó del cielo o El Morador de las tinieblas. Son ocho cuentos que sirven perfectamente para entender el éxito que le fue negado a Lovecraft en vida, en los que pasiones tan humanas como la curiosidad, el ansia de conocimiento, el miedo irracional y la locura como forma de escape se encuentran representadas tanto en forma literaria como en forma gráfica.
Los trazos de Breccia podrían ser considerados como la obra de un loco fuera del contexto que la novela gráfica como formato le otorga. Muchas de sus representaciones de los semidioses parecen un batiburrillo de rayones y tinta chorreada que algunas veces asemejan a una prueba rorscharch, que sin embargo hay que observar detalladamente para encontrar un orden dentro de ese caos, exactamente como Lovecraft las describe en sus cuentos (no por nada una de las criaturas, Nyarlathotep, es también nombrada como el caos reptante).
Es en El Horror de Dunwich donde Breccia logra capturar a la perfección lo que Lovecraft dejó sólo en palabras. Los dibujos recrean la perfección la escena donde unos de los personajes principales -Wilbur Whateley, fruto de la relación incestuosa entre su madre y algo más- comienza a deshacerse enfrente de una comitiva del pueblo de Dunwich (ciudad ficticia creada por Lovecraft, al igual que Arkham o Innsmouth), no sin antes mostrar que no era humano del todo. La escena impacta tanto por la sorpresa que produce en el lector la naturaleza inhumana de Whateley como por lo gráfico de la secuencia de dibujos.
La sombra sobre Innsmouth.
Los intentos por adaptar la obra de Lovecraft al cómic nunca serán suficientes como para considerarla completamente acabada. Berni Wrightson ha incursionado en la aventura, al igual que Mike Mignola y cientos más en el underground comiqueril. Sin embargo todos ellos siempre estarán a la sombra del trabajo de Breccia por dos razones: o intentan copiarla descaradamente, o simplemente se basan más en lo grotesco que en capturar la esencia del discurso terrorífico, situación que demerita el valor literario de los cuentos y justifica hasta cierto punto las críticas negativas del opus lovecraftiano, el mostrar más el aspecto superficial que el lado más íntimo.
Juntos, Lovecraft, Breccia y Buscaglia lograron lo que pocos hombres han conseguido: mitificar nuestros terrores al mismo tiempo que librarnos de ellos, pues no hay mejor terapia para acabar con una fobia que ser sobrexpuesto a lo que la produce.

FRIQUIPEDIA

-La obra de Lovecraft ha impresionado tanto que hay quienes consideran que su prematura muerte fue debido a que sabía más de lo que debía, además de divulgar todo tipo de conocimientos arcanos. Por supuesto que esto no es más que parte del mito que rodea la vida del genio de Providence… ¿O no?

-El Necronomicón ha sido una de las creaciones lovecraftianas más populares, al grado de estar entre lo libros más buscados en diferentes librerías de viejo. En la Biblioteca General de la Universidad de California, algún estudiante bromista introdujo en los ficheros la tarjeta que indica la ubicación del libro maldito en la colección referente a libros “prohibidos”.

Lex Necronomicon

2009-11-06T10:03:00.000-08:00

Cuando escribí el siguiente texto todavía no se editaba en México la miniserie a la cual hago alusión, ni visos había de ello (no recuerdo si la miniserie original de los zombis ya circulaba, supongo que sí) y quizás por eso es que hablo tan bien de ella.
La verdad es que los Marvel zombies me parecieron, en su momento, una gran idea, pero gracias a aus éxito nos saturaron de ellos y ahora ya deberían darles una pacífica sepultura.
ESte texto también fue d elos primeros que publiqué, de ahí que se lea un tanto ingenuo, pero bueno, cuando uno es novato lo que se quiere es aprentar frescura.
Provecho.

¡Ábranla zombis, que ahí viene la motosierra! Marvel Zombies vs Army of darkness

Hay que aceptarlo, la mayoría de los crossovers apestan. Tan aventurado comentario se fundamenta en que a) normalmente se cruzan personajes que no poseen nada en común, y b) siempre se sigue la fórmula “personaje conoce personaje/personajes pelean/personajes se dan cuenta de su error/personajes se unen”, casi siempre de manera aburrida y dejando en el lector una sensación de vacío lúdico que de cualquier medio de entretenimiento sería válido que proviniera, excepto de un cómic.
Sin embargo, de vez en cuando surgen propuestas que logran demostrar porque los crossovers son una alternativa más dentro del competidísimo mundillo editorial de cuadritos y viñetas, además de generar expectativas que al final logran ser cumplidas en toda su extensión, dejando al lector con la doble sensación de satisfacción intelectual y de lleno estomacal. Así de bueno es Marvel Zombies vs. Army of darkness, la última entrega de los devoradores putrefactos de la Casa de las ideas.
¿Quiénes participan?
¡En esta esquina por el bando rudo, exigiendo saborear deliciosa carne humana! (de la que dicen los conocedores sabe como a puerco): ¡Spiderman!, ¡Daredevil!, ¡Wolverine!, ¡Coronel America!. Todos convertidos en muertos vivientes ansiosos de atragantarse con cuanta persona se les ponga enfrente, sea normal, mutante o la Tía May (se sospecha que la carne pegada al hueso es la más rica), y ninguno dispuesto a ceder ni la menudencia más asquerosa.
Originalmente aparecidos en Ultimate Fantastic Four # 21, estos maravillosos zombis son producto de una infección que convierte a los enfermos en devoradores de carne humana. Dicha infección se propagó en un universo alterno al 616 (código con el que vulgarmente se denomina al universo Marvel clásico… larga historia, no pregunten), en el que los primeros en contagiarse resultan ser los superhéroes, dándose como resultado que acabaran rápidamente con la vida animal del planeta (ese episodio de UFF se encuentra inédito en nuestro país, ¡grrr! Hasta dan ganas de comerse a quien cometió tan execrable error).
¡En la otra esquina, representando a los técnicos y a los amantes del cine gore!: Ashley J. “Ash” Williams, inexperto campista y experto mata no muertos, a quienes él conoce como demonios kandarianos o deadites. Su primera aparición se dio en la célebre cinta Evil Dead (mejor conocida en México como El despertar del diablo), en donde tiene que dar cuentas de los cuerpos de sus amigos poseídos por terribles demonio surgidos de las páginas del siniestro Necronomicón. En Evil Dead 2, Ash pierde su mano derecha en las garras de los deadites, factor que lo lleva a insertarse una motosierra que, junto con su inseparable boomstick (que puede traducirse como palopum, aunque no es otra cosa que una escopeta) lo llevan a enfrentarse a las hordas de deadites que asolan al universo de Army of Darkness (traducida aquí como El Ejército de las tinieblas). Actualmente, Ash aparece mensualmente en la serie homónima a esta última película editada por Dynamite Entertainment, en la que es un viajero interdimensional siempre dispuesto a perseguir a la amenaza kandariana.
¿Festín de sesos o alimento para el alma?
Comentaba en un principio lo genéricos que son los crossovers, pues bien, MZ vs AOD parece, en un inicio, seguir por el mismo camino, la diferencia está en que John Layman –escritor de la serie, a quien conocemos por House of M: Fantastic Four y Sentinel Squad O*N*E*- ha sabido capturar el tono de humor negro que abunda tanto en las películas de la trilogía de Evil Dead, como en la miniserie Marvel Zombies, por lo que la fórmula de “personajes pelean” se convierte en un chiste, bastante bien logrado por cierto, al observar Ash una pelea entre Daredevil y la Wrecking Crew, confundiendo al cornudo vigilante con el villano por el simple hecho de parecerse al mismísimo diablo.
Escenas tan graciosas como sangrientas pululan por todo el cómic, provocando el delirio y llevándonos de lo sublime a lo grotesco, pasando por el asombro ante la idea de cómo algo tan simple se ha convertido en una de las historias más refrescantes de los últimos tiempos(¿un universo zombi de puros superhéroes? ¡Por qué no se les había ocurrido antes!), sin olvidar que la miniserie original fue un superéxito de ventas.
… Y de postre, las portadas.
Quizá sea el arte el punto menos cuidado de la obra, lo cual no quiere decir que sea malo, simplemente que no es tan gráfico como debería ser. La labor de Fabiano Neves –que significa su debut en la historieta gringa- es decorosa aunque muchas veces los paneles se notan un tanto recargados y poco claros, sin embargo, es el aire de cómic underground lo que resalta el dibujo, pues le da un aire similar a la película de bajo presupuesto que marcó el debut de Ash.
Las portadas, al igual que en la miniserie original, están a cargo de Arthur Suydam y vuelven a ser recreaciones de portadas clásicas de cómics Marvel, claro, con los personajes zombificados, bien muertos y putrefactos, dispuestos a embutirse a algún despistado lector, si no fuera porque Ash aparece dispuesto a no dejar zombi sin cabeza.
Y el parte forense es…
MZ vs AOD es una magnífica idea para un crossover, en donde magnífico significa original, bien escrito y sobre todo, DIVERTIDO. Los números se van como agua y es difícil esperar al siguiente. Y lo mejor es que es una historia totalmente autocontenida, es decir, no hay que haber leído ni UFF, MZ ni AOD para entenderla ni para disfrutarla en todo su delicioso sabor, por cierto, muy rico en calorías secuenciales. Si están hartos de eras de Apocalypse, Onslaughts renacidos o crisis infinitamente inútiles, corran a zamparse la que seguramente se convertirá en la miniserie del año, su cerebro, y su estado de ánimo, se los agradecerán.

Friquipedia.

-La trilogía de Evil Dead es producto de la mente de Sam Raimi, quien nos ha deleitado de sobremanera con otra trilogía, la de nuestro amistoso vecino el Hombre Araña. Evil Dead fue considerada, en su momento, la una de las cintas más violentas, razón por la cual se volvió una verdadera joya de culto (no como otras que andan circulando por ahí). Además, tan reconocida es su calidad cinematográfica que el antiguo cineclub de la UNAM la tenía en su catálogo, aunque era difícil encontrarla debido a la alta demanda por su renta.

-Marvel Zombies: Dead Days es el título de un número especial que ocurre al mismo tiempo de MZ vs AOD, sirviendo de precuela a la miniserie original. Este número es escrito por el equipo que lo inció todo: Robert Kirkman en el guión y Sean Phillips en los lápices. En este número se supone que todas las dudas se aclararán, por ejemplo, ¿Dónde se infectó el Sentry que trae la plaga a este universo? O ¿es realmente el Sentry?

-En las películas, Ash es interpretado por Bruce Campbell, a quien recordarán por haber sido quien nombra a Spiderman en la primera película del arácnido y por haberle negado la entrada a Peter Parker al teatro donde se presenta Mary Jane en la segunda entrega.

Puros cuentos 3

2009-11-04T14:27:00.000-08:00

Poco a poco se acerca el momento de publicar material inédito, mientras tanto deléitense con el texto que le sacó ampula al mismísimo Paco Espinosa (errr... si no saben quien es pues lean aquí).

¿QUÉ TANTO ES TANTITO? EL FANDAMENTALISMO DE LOS COMIQUEROS.

-Fue una historia imaginaria, soñada por
Jimmy Olsen después de haber sido pateado
en la cabeza por Cometa, el caballo de
Superchica. Realmente nunca sucedió.
-Ninguna de estas historias realmente sucedió.
-Fuera de mi tienda.
Diálogo entre el gordo comiquero y Bart Simpson.

En la entrega pasada mencioné cierto término que produjo dudas en algunos lectores, así que he decidido aplazar la columna en donde al mismo tiempo demostraba que Neil Gaiman no es un buen escritor de cómics y que dios no existe para ceder el espacio a la definición de ese término. Espero poder publicar mi argumento ateogaimanesco en algún número posterior.
Dentro de las religiones, es común encontrar corrientes que pretenden que los textos sagrados sean interpretados de manera literal, anteponiéndolos incluso a las leyes civiles. Así, tenemos que los fundamentalistas católicos pretenden negar la diversidad natural, social y cultural humanas únicamente porque un texto escrito por algún chiflado dice que por pecadoras, unas cuidades que ni existieron ardieron bajo una lluvia de azufre (mmmm… hablo de Sodoma y Gomorra). A estas corrientes se les denomina fundamentalistas, por seguir ciegamente los textos fundamentales de su creencia.
Dentro del círculo de lectores de cómics es común encontrar a aquellos que pretenden negar todo atisbo de imaginación de los escritores y dibujantes que desean alterar el status quo de sus personajes favoritos arguyendo que “no se respeta la personaje” o que tal o cual situación novedosa “traiciona los fundamentos sobre los que está construido el universo editorial en cuestión”. Estoy de acuerdo en que existen ciertas características que convierten a un personaje en algo único –por ejemplo, el poder y la responsabilidad de Spidey o la imposibilidad de amar de Batman-, y son esas mismas características las que hacen que los adoremos al punto de hacerlos compañeros de nuestra vida y considerarlos como entes de carne y hueso, con emociones, sentimientos y raciocinio propios. Pero de ahí a que el personaje no pueda desarrollarse y mostrar cambios de actitud –y que incluso se nieguen guiones legendarios- es algo que debe sopesarse con base en la calidad de la propia historia y del escritor en turno, no comparándolo con historias previas.
Hay que recordar que los cómics son producto de la imaginación de varias personas, y en la mayoría de los casos reflejan el momento histórico por el que pasan. Nadie se queja de que la actual Mary Jane nada tiene que ver con la bailarina a go go que era cuando apareció por primera vez, ni nadie extraña que Batman en su orígenes mataba y nalgueaba -aunque no precisamente en ese orden- malandrínes y malandrínas (juro por diosito que sí lo hacía) puesto que son situaciones de acuerdo a la época, que se verían ridículas en la actualidad. Es necesario generar cambios dentro de los personajes para mantenerlos frescos y atractivos. Imagínense un cómic de Superman inmutable, en donde, por ser el héroe más poderoso pues no te la crees que vaya a perder (esperen, eso sí está pasando). En fin, que de los giros de tuerca e ideas locas, algunas buenas, otras malas, otras muuuuy malas, que se les ocurren a los guionistas es que nuestra lectura se nutre, ya está en cada quien decidir que le gusta y que no pero siempre en base a la propia narración, no a lo escrito con anterioridad. No deberían existir los dogmas dentro de los lectores comiqueriles (ni dentro de nadie).
Y navegando por internet me topé con la definición de los fundamentalistas del cómic, mejor llamados fandamentalistas, por aquello de fanboy: Fans que agresivamente creen que la única interpretación válida de cualquier fuente de entretenimiento es una adherencia dogmática a su versión favorita de dicha fuente. Cualquier cambio al más pequeño detalle será recibido con un desprecio frenético.
¿Alguien se identifica? No se preocupen, recuerden que la realidad son puros cuentos.

El museo del cus cus

2009-11-03T08:47:00.000-08:00

Después de una pausa laboral me reintegro a mis labores de recuperación de textos perdidos en la noche de los tiempos.
Toca el turno ahora a un cómic bastante sui generis, de esos que uno lee y queda enganchado a la primera, y más si uno es fanático del horror. Si son fans de Hellboy no lo duden, búsquenlo y pásenla bien.
No diré más porque no quiero arruinar la sorpresa, lo único que mencionaré es que desgraciadamente es muy difícil conseguir este cuento por estos lares, y en internet puede descargarse en su original italiano o en húngaro. Pero tengo la esperanza de que algún día, no muy lejano, alguien lo subirá en español (sobre publicarlo aquí ni la esperanza existe... aunque uno nunca sabe porque ya viene la película).
Recuerden, este texto fue escrito hace ya dos años por lo que cualquier anacronismo es culpa del correr del tiempo.

DYLAN DOG, EL ORIGINAL DETECTIVE DE LO PARANORMAL

“Puedo leer la biblia, Homero o Dylan Dog durante días y días sin aburrirme”
Umberto Eco

¿Qué sucede si juntamos a Sherlock Holmes, Groucho Marx y Edgar Allan Poe en una licuadora? Tenemos, sino al mejor cómic italiano, por lo menos al más popular y entretenido. Dylan Dog es sin duda alguna la mayor referencia que tenemos acerca del misterioso y paranormal mundillo del spaghetti cómic.
El alba de los muertos vivientes.
Corrían los gloriosos años 80 y para Tiziano Sclavi, un escritor fanático del giallo y las películas de explotación gore (tan abundantes en su país natal), la idea de contar historias en donde pudiera desatar todas sus anormales influencias no dejaba de atormentarlo por las noches. Afortunadamente la editorial Sergio Bonelli Editore se encontraba a la búsqueda de un título para iniciar una línea de fumetti inclinados al horror y la fantasía.
Decidido a armarla en grande, Sclavi desarrolló la idea de narrar las aventuras de un detective venido a menos, cuya reputación sólo le permite trabajar en los casos más descabellados e improbables. Tomando el nombre del poeta Dylan Thomas (igualito que hiciera el cantante Bob Dylan), decide nombrar Dylan Dog al investigador, un exmiembro de Scotland Yard, exalcohólico, lleno de temores y fácilmente enamoradizo, quien tiene cierta facilidad para toparse con casos paranormales y sobrenaturales, de los que no siempre sale airoso o cuerdo.
A fin de encontrarle alguna referencia, Dylan Dog podría considerarse una versión de Scooby Doo para gente inteligente, pues a pesar de los elementos fantásticos y sobrenaturales que definen la obra, el cómic mantiene un discurso sobre la naturaleza humana, en donde lo monstruoso no es lo paranormal sino lo bajo que puede caer el alma de algunas personas. Dylan Dog representa la búsqueda interminable de belleza (entendida como lo bueno) en un universo lleno de una fealdad anímica muy superior a la fealdad física.
La belleza del demonio.
Pero el punto fuerte del cómic es la calidad de los personajes de apoyo, quienes mantienen una personalidad tan sólida y completa que muchas veces eclipsan al personaje principal. Así tenemos que el ayudante de Dylan Dog es nada menos y nada más que el mismísimo Groucho Marx, o por lo menos su mejor imitador. Los chistes ingeniosos y una retórica inesperada definen el tono de las historias que encontramos en este cómic y es gracias a estas características que se diferencia de otros cómics con temáticas similares. La presencia del más conocido de los hermanos Marx imprime una bocanada de surrealismo que equilibra la presencia de lo fantástico, haciendo del cómic un referente cultural y dotándolo de un valor artístico más completo.
Otro personaje es el inspector Bloch –obvia referencia a Robert Bloch, creador de Psicosis y miembro del círculo de Lovecraft-, quien representa a la figura paterna en el alocado mundo de Dylan Dog. Siendo el exjefe de Dylan, el inspector es el ancla que lo mantiene atado a la realidad, pues en un mundo lleno de vampiros, zombies y enanos sería fácil deschavetarse y perderse en la noche de los tiempos.
Las mujeres son un ingrediente abundante en la fabulosa vida de Dylan Dog. Curiosamente siempre termina enamorado de ellas y, paranormalmente, ellas se enamoran de él, aunque muchas veces es debido a que son súcubos sedientos de atraer a Dylan hacia la perdición de su alma o de su “inocencia”. El supuesto parecido físico de todas ellas con la madre de Dylan, convierten a la obra en un paciente digno de psicoanálisis, en donde el complejo de Edipo se acentúa al ser el padre de Dylan su peor enemigo.
El regreso del monstruo.
Dylan Dog, aparte de ser un cómic con personalidad y méritos propios, es también un aleph de referencias culturales interminables. El cine y la televisión se encuentran representados ya sea en los títulos de cada historia o de plano en secuencias dentro de las páginas, como esa en donde Dylan juega ajedrez con la muerte (en clara alusión a El Séptimo sello); vale la pena mencionar que Dylan Dog vive en el número 7 de la calle Craven, bautizada así en honor a Wes Craven, director de clásicos del cine de horror como Pesadilla en la calle del infierno, Scream y The hills have eyes. La pintura juega un papel preponderante ya sea en menciones a Picasso o Dalí o por adornar la escenografía dentro de las historias.
La literatura se encuentra representada en los nombres de los personajes o por reinterpretar pasajes clásicos de los géneros de terror y suspenso, además de ser el esqueleto que mantiene de pie a la serie en sus más de 200 números.
Siendo Dylan Dog un personaje tan seductor y una obra tan completa, no es de extrañar que las copias no tardaran en salir. Mike Mignola nunca ha negado que su mayor influencia para realizar Hellboy ha sido el fumeto que nos ocupa. Incluso él realizó las portadas para la efímera publicación de las aventuras de Dog en Estados Unidos. Clásicos contemporáneos como Planetary también recorren el camino arado por Dylan Dog. “Es un mundo extraño mantengámoslo así” fue una frase que Sclavi no escribió pero que Dylan Dog vive en cada una de sus aventuras, en las que a pesar de combatir todo tipo de criaturas imposibles nunca hace nada por indagar su origen o por acabar con ellas de una vez por todas.
La zona del crepúsculo.
A pesar de todo lo anterior, Dylan Dog no es un cómic que haya podido traspasar fronteras, teniendo que conformarse con ser una obra de culto fuera de su natal Italia, porque dentro de ella es una de las publicaciones con mayor tiraje y uno de los personajes más populares, lo que acentúa la rareza del hecho de que no haya dado el brinco a otros medios de comunicación como cine o televisión.
En España va por su tercera oportunidad editorial, esperando a ser la vencida, para colocarse en el gusto de los lectores. En Estados Unidos muchos le achacan el fracaso a que no se respetó la obra: debido a problemas legales el personaje de Groucho Marx fue depilado y reducido a un desconocido “Felix” que mataba la intención multicultural del cómic y eliminaba el contexto artístico que hacen de Dylan Dog una obra única.
A México llegaron algunos números españoles que todavía pueden encontrarse en los botaderos de revistas, si se topan con uno no lo duden, háganse con él y descubran porque Dylan Dog es el cómic no gringo más divertido que podrán leer.

FRIQUIPEDIA.

-Existe una película llamada Dellamorte Dellamore que se considera la adaptación no oficial de Dylan Dog a la pantalla grande. Esto es debido a que el autor de la historia es el mismo Tiziano Sclavi y el actor que interpreta al personaje principal es Rupert Everett, en quien está basada la imagen de Dylan Dog.

-La popularidad de Dylan Dog en Italia es tal, que aparte de la serie principal se publican anuales y especiales. Uno de ellos, L’almanacco della paura (El Almanaque del terror) es una revista que aparte de contener historias inéditas de Dylan Dog es un informativo sobre el género del terror en cine, literatura y cómics.

-Algunos años se llevó a cabo en Italia el Dylan Dog Festival, un encuentro sobre cine de terror, lo que habla de que nivel de referencia tiene este cómic en la subcultura del miedo en ese país europeo.

¡Santas batientidades!

2009-10-27T08:57:00.000-07:00

Uno de mis escritores favoritos es Howard Philips Lovecraft, creador de los últimamente famosos Mitos de Cthulhu*. No expondré las razones de ello dado que por ahí está esperando un texto en donde lo explico, baste decir que es de los pocos escritores que han logrado sacarme sustos y que me han hecho pensarlo dos veces antes de voltear a ver a el cielo durante una noche sin luna.
Siendo un escritor "de culto", debería ser común que salieran cómics basados en su obra, y aunque a últimas fechas lo es, hubo un tiempo en que era raro encontrarse con ellos. Me sorprendí bastante cuando me enteré que DC sacaría la miniserie de la que vengo a hablarles, y más cuando Vid la editó en México. Pero sorpresas aparte, lo mejor de todo es que el cuento en cuestión es uno de los mejores homenajes que se le hayan hecho al ermitaño de Providence, y la mismo tiempo, uno de los mejores Elseworlds que Batman haya podido tener.

*Para poder pronunciarlo como se debe tienen que cortarse la lengua, pero una pronunciación aproximada sería tulu, tal y como lo escribió el propio Lovecraft en el cuento El Túmulo, escrito en colaboración con Zealia Bishop.

EL MURCIÉLAGO CONTRA EL TERROR CÓSMICO. Batman: La maldición que cayó sobre Ciudad Gótica.

De haber escrito cómics, H. P. Lovecraft de seguro nos habría narrado las aventuras del caballero oscuro, enfrentándolo a las aberraciones inenarrables que abundan en sus macabros cuentos. Desafortunadamente, el genio de Providence no vivió para conocer el boom del cómic de superhéroes, un género que sin duda le habría fascinado y al cual habría aportado muchísimo.
Los Otros Mundos.
Afortunadamente, existen en el planeta seres que a toda costa tratan de mantener viva la imaginería del creador de Cthulhu, y lo han hecho en el único medio capaz de recrear las abominaciones (terroríficamente hablando) que solo un iniciado pudo idear. Mike Mignola, a quien todo mundo puede ubicar por ser el padre de Hellboy, es el promotor más conspicuo de la obra de Lovecraft en el cómic estadounidense, realizando de vez en cuando adaptaciones de alguna de sus obras o dibujando algún pin-up referente. El mismo cómic de Hellboy está totalmente basado en la tradición lovecraftiana, con magos que intentan regresar a monstruos ciclópeos e inmemoriales o combatiendo bestias antropomórficas sospechosamente parecidas a las descripciones inombrables de los relatos cthulhianos.
Si a lo anterior le añadimos las infinitas posibilidades que brinda esa espléndida idea del la editorial DC que son los Elseworlds, entonces nos encontramos frente a una de las aventuras imaginarias del hombre murciélago más completas y con más homenajes que ninguna otra. Además de ser uno de los elseworlds mejor escritos, pues no llega a ser tan ridículo como Batman vaquero ni tan jalado como Batman abducido.
Porque no está muerto lo que puede vivir eternamente.
Mignola, acompañado por su clon dibujante Troy Nixey, escribe una historia en donde la totalidad de los cuentos de Lovecraft pertenecientes a los mitos de Cthulhu son revisitados, por medio de referencias en los personajes o situaciones de la narración. Ya desde el título, que hace referencia a uno de los cuentos tempranos del autor de Rhode Island, The Doom that came to Sarnath (La Maldición que cayó sobre Sarnath), Mignola traza el tono que historia va a tener, sin olvidar la conversión que realiza de personajes del universo batmaniano a versiones que sólo Lovecraft pudo haber concebido.
Así, tenemos que el Pingüino es un profesor de la Universidad de Gotham que se pierde durante una expedición a la Antártida, en donde encuentran un horror inombrable, igualito a lo que les sucede a los protagonistas del relato En las montañas de la locura, considerado por muchos el mejor cuento dentro del ciclo Cthulhiano. Ra’s al Ghul, sin duda alguna el segundo mejor enemigo de Batman, es convertido en Abdul Alhazred, escritor del infame Necronomicón, y al igual que el árabe loco original, es asesinado por garras invisibles a plena luz del día. Killer Croc sirve para representar a los Profundos, una raza de batracios humanoides adoradores de las deidades Dagón y el mismísimo Cthulhu, convertidos en lo que son debido a lo nefando de sus actividades. La gran ausencia es el Joker, quien no tiene símil dentro de la literatura Lovecraftiana, pero no se le extraña porque el que no aparezca es una bocanada fresca para las historias de Batman.
El trabajo de Mignola es tan completo, que incluso personajes que aparentemente no tendrían nada que hacer en la historia son adaptados para encajar perfectamente en el relato. Oliver Queen, alias Green Arrow, es transformado en un caballero templario quien conoce algunos de los míticos secretos que el libro escrito por Ra’s al Ghul guarda.
El murciélago que cayó del espacio.
Todo el cómic está caracterizado por una ambientación lúgubre y macabra, propia de cuento de terror. Los elementos lovecraftianos no están representados únicamente por la aparición de criaturas inefables sino por las situaciones de los personajes o sus comportamientos. Es muy común en la narrativa lovecraftiana que existan personas poseídas, dementes o misteriosas. Todos estos elementos aparecen aquí: Ahí está Talia develando algunos de los secretos de lo que está ocurriéndole a Ciudad Gótica; también está Harvey Dent, quien se encuentra poseído por una entidad ignota y es lo que lo convierte en Dos Caras; la gente de Ciudad Gótica se encuentra en estado de frenesí y todo debido a que hay algo que se está acercando.
Batman: The Doom that came to Gotham es una historia que entretiene no sólo por lo atractivo de su historia, sino también por la cantidad de referencias a uno de los autores más influyentes de la literatura de terror moderna .
El murciélago fuera del tiempo.
Como decía, los Elseworlds permiten a los autores jugar con los personajes de DC y transportarlos a situaciones que, dentro de su continuidad normal, causarían revuelo, polémica y hasta un poco de burla entre los lectores. Si bien la mayoría de estas historias son perfectamente prescindibles, en el caso de Batman: The doom that came to Gotham estamos frente al ejemplo perfecto de lo que un buen escritor de cómics es: alguien culto, fascinante, instruído en distintas artes y sobretodo, alguien que escribe con respeto hacia los personajes e historia que maneja. Si bien Lovecraft es considerado un escritor mediocre por los críticos culteranos, es innegable que su prosa ha influenciado en buena medida a la literatura y cómics populares, otorgándoles elementos místicos, sobrenaturales y cósmicos, que tan de moda estuvieron durante la época dorada, para luego reaparecer en los setenta, y que al parecer están repuntando en estas fechas de nostalgia por el pasado.
Mike Mignola, conciente de lo anterior, escribe su historia para los mitos de Cthulhu pero en lugar de otorgarle la estructura clásica de un cuento, lo hace en el medio en que mejor se desenvuelve, con personajes conocidos para asegurar que será leída y de paso, refrescar el enmarañado universo batimitológico, demostrando que no todo está dicho y que con un poco de imaginación, y gusto por la lectura, todavía hay historias por contar.

Frquipedia:

-Howard Philips Lovecraft es el creador de una mitología literaria conocida como los Mitos de Cthulhu, en referencia a una de las deidades que aparece en sus relatos. Estos cuentos se caracterizan por hablar de civilizaciones prehumanas, dioses monstruosos y su influencia en el mundo moderno.

-Mike Mignola ya había tratado la relación Lovecraft-Batman en el crossover Batman-Hellboy-Starman, el cual únicamente dibujo, dejándole el guión a otro fanático del escritor de Providence, James Robinson.

Puros cuentos 2

2009-10-22T09:59:00.000-07:00

Esta fue la segunda entrega de la columna sobre cultura comiqueril. Creo que es en estos textos donde realmente hablo sin tapujos y la idea original era poner en evidencia las cosas más desagradables del ambiente comicñero en México. Únicamente se publicaron 4 de estos artículos, pero la idea es continuarlos en este espacio. Recuerden que la discusión está abierta, pero antes de rezongar, analicen si no tengo algo de razón en lo abajo expuesto.
Saludos y apapachos para tod@s.

POR UN APELATIVO AUTÓCTONO PARA LOS CÓMICS (Y PARA SUS DERIVADOS TAMBIÉN) CAPÍTULO 2.

Pues bien, después de largas e interminables discusiones respecto a lo aquí expuesto en el número pasado -algunas provechosas, otras tediosas- con gente que sabe de esto de los cómics, he llegado a la conclusión que cada quien use el término que más le guste para referirse a ellos. A fin de cuentas el chiste está en leerlos y no en denominarlos.
Sin embargo, después de observar el comportamiento del lector promedio de cómic de nuestro país he decidido abocarme ahora a encontrar un apelativo que defina, redima y señale a los miembros de la fanaticada, algunos fundamentados, otros fundamentalistas, o mejor dicho fandamentalistas, pero todos lectores de cómics al fin y al cabo.
Lo anterior surge porque en países como Estados Unidos o Japón, términos que originalmente eran despectivos, ahora son usados como estandarte de orgullo por los estigmatizados por esos mismos términos. Así, el vocablo inglés fanboy ha pasado de ser un mero insulto –proferido por gente fuera del círculo comiqueril- que se le gritaba el nerd que pasaba con sus cómics bajo el brazo, dando a entender que su vida se encuentra dedicada por completo al estudio de los cuadritos y viñetas, a ser un símbolo de identidad entre los que profesan el amor al 9º arte (sigo esperando a que me digan cuáles son los otro ocho. En serio, no lo sé). Ahora uno puede ver por los pasillos de la ComiCon (no he ido pero he visto fotos y me han contado, no se sientan mal) gente que desfila portando de manera altiva playeras que únicamente dicen Fanboy, y lo mejor es que también hay quien lleva unas que dicen Fangirl. Nada como la diversidad para salvar al mundo.
Algo parecido pasó con el término japonés otaku, que en su lugar de origen todavía es un insulto y cuyo uso indiscriminado puede hacer que los afectados pasen por una transición y tengan entonces que ser llamados hikikomori. En cambio, los occidentales han adoptado la palabra para demostrar, de la manera más conspicua, su amor por todo lo Made in Japan (sí, hubo un tiempo en que todo, antes de ser Made in China, era japonés y así era el chiste). Conociendo la urgencia de los japoneses por convertirse en occidentales no dudo que dentro de poco allá también se reivindique el término y podamos ver cosplayers orgullosos de sus disfraces de Peluchemalpegadoman, Sailor Moon (por lo redondas) y Cajadecartónsama. ¡Bien por ellos!
Así que después de horas de deliberación, meditación trascendental y surfeo de blogs referentes al cómic he llagado a delimitar tres términos que someteré a votación para ver cual se queda como denominador del fanático de cómics en México.
El primero es el ya clásico “comiquero”. Este me gusta porque es simple y va directo al grano, indicando qué nos gusta y qué es lo que hacemos. Pero me disgusta porque no distingue entre los que nomás leemos cómics y los que los hacen, lo que me parece una terrible falta de respeto.
El segundo término es una derivación del anglicismo fanboy. Tomando en cuenta que hay muchos lectores que prefieren el anglicismo “cómic” al más autóctono “cuento”, pues démosles gusto y utilicemos la palabra “fanchiquillo”. Este término tiene la ventaja que puede derivarse y utilizarse para referirse a toda la comunidad bajo el vocablo “fanchiquillada”, lo que lo convierte en un término políticamente correcto al ser incluyente. El único pero que le encontré es mi negación por los anglicismos ¿Para qué si tenemos un idioma tan bonito?
Finalmente, y tras analizar minuciosa y críticamente los blogs comiqueriles que se reproducen por generación espontánea en la red de redes, he decidido acuñar un neologismo –o séase una nueva palabra pues-. Después de horas-seso he decidido que necesitamos una palabra que infiera lo que hacemos –leer cómics- y que al mismo tiempo demuestre el grado de camaradería y compañerismo que nos caracteriza a los fans del arte secuencial en nuestro país, así, he decidido que utilizar el término “comicñero” es lo más acorde a lo que los blogs demuestran, pues si uno los lee no puede más que imaginarse a puro ñero escribiendo ahí, con tantas faltas de ortografía e ideas incompletas expuestas de la manera más soez que se puedan imaginar.
Así pues, espero sus votos para que, juntos al fin, decidamos un denominativo unificador, que nos agrupe, nos cobije, nos separe del resto de la chusma y lo más importante, nos identifique. Lo demás… son puros cuentos.

¡En esta esquina!

2009-10-21T15:38:00.000-07:00

Todo aficionado al cómic de superhéroes debe saber quien es Joe Quesada: no sólo un supremo artista, también es el editor en jefe de Marvel Comics y, en estos momentos, el hombre más poderoso de la industria comicñera gringa.
Por supuesto que tal título no puede venir sin polémica de por medio. Decisiones editoriales que parecen tomadas al vapor, influencia mayúscula sobre escritores, políticas internas que parecen censura... y sin embargo, Marvel es la editorial número 1, no sólo en ventas, me atrevo a decir que también en calidad de sus historietas.
La revista en la que solía publicar tenía un sección llamada "En contraste" o algo así, en dónde se vertían opiniones contradictorias sobre personajes o historias populares. Para cierto número que estuvo dedicado a los villanos, se decidió que dicha sección se utilizaría para publicar dos visiones sobre el trabajo de Quesada. Como buen Marvel zombie que soy no podía hacer menos que escribir a su favor.
Como esto sucedió en la época del truene el artículo nunca se publicó, lo que significó una verdadera lástima para el compañero que escribió en contra de buen Quesadilla, dado que era una de sus primeras participaciones, y para mi, porque es de los pocos textos que me han gustado como han quedado.
Como yo no tengo derecho alguno sobre el texto que complementaba el artículo, únicamente podrán leer las razones por las que considero que Joe Quesada es un superhéroe. Si el autor de la contraparte lee esto y quiere que se publique en este espacio no hace más falta que lo solicite, yo contento porque por fin vea la luz tan divertido texto.
Nos leémos...

Joe Quesada ¿Villano o visionario?
Por alguna razón, Marvel ha sido la editorial que todo mundo ama odiar, aunque en el fondo realmente la amen. En últimas fechas la fanchiquillada se ha visto polarizada por las decisiones del editor en jefe de la Casa de las Ideas, para algunos simples movimientos del mercado y para otros sacrilegio imperdonable. (La revista que ya no existe) se da a la tarea de exponer visiones encontradas sobre la labor del que seguramente pasará a al historia como el editor en jefe más polémico de Marvel Comics.

VISIONARIO

A Joe Quesada lo han acusado hasta de pervertir niños.
Y es que uno nunca podrá quedar bien con todos los lectores. Pero recordemos que, si bien la regó grotescamente con One More Day –que con todo tiene sus buenos momentos-, no podemos juzgar su estancia al frente de la mejor (le duela quien le duela) editorial de cómics basándonos en una mala decisión. Siendo así entonces Frank Miller debe ser apedreado por las bazofias que son Robocop 2 y 3 (sí, el las escribió), a Jim Lee deberían deportarlo por haber creado Divine Right (¿Alguien lo recuerda?) y Alan Moore debería ser castrado por negarse a seguir escribiendo cómic de superhéroes.
Es muy fácil criticar cuando se está por fuera, cuando el fan interior se niega a aceptar el cambio y cuando no se entiende que los cómics son productos creativos, no entes reales. Sí, estoy a favor de que se le falte al respeto a unas creaciones colectivas a cambio de hacerlos interesantes, relevantes y actuales.
Recordemos que Joe tomó a Marvel justo después de que la burbuja comiquera explotó, llevandose tres cuartas partes de la industria y amenazando con extinguirla. Recordemos también que nadie daba un carajo por la continuidad de X Men o por lo que le sucediera a Spiderman. Joe Quesada se encargó de que los cómics nos volvieran a interesar y lo hizo de la manera más inteligente posible: contándonos las mejores historias que Marvel ha publicado en los últimos veinte años y regresando a la editorial su muy merecido primer lugar, ayudando, de refilón, a un resurgimiento de la industria que asegura habrá cómics por mucho rato.
Ustedes decidan. Pueden recordar a Joe Quesada por OMD o porque Gwen tuvo un par de hijos con Norman Osborn (¿Sabían que el escritor quería que fueran de Peter? Gracias Joe Q por impedirlo), yo prefiero recordarlo por:
-Regresar, junto con Kevin Smith, a Daredevil al pedestal de los campeones de Marvel.
-Concebir, junto con Bill Jemas, el universo Ultimate, en su momento el mejor universo de superhéroes.
-Poner a Grant Morrison en X Men y regresar a los mutantes a sus épocas de gloria.
-Permitir la publicación de Runaways, el mejor cómic de Marvel publicado en la actualidad.
-Posibilitar que autores como Mike Allred, Warren Ellis o Garth Ennis jugaran a sus anchas con los personajes de Marvel.
- Exprimir a Mark Millar y crear el “Watchmen” del siglo XXI. Y sí, estoy hablando de The Ultimates vols. 1 y 2.
-Hablando de Millar, obligarlo a que nos provocara un paro cardiaco con el desenmascaramiento de Spider-man (no se hagan).
- Y por último, hacer que olvidáramos la saga del clon. Ahora está OMD para que la rumiemos. Yo contento porque el muy diablo borró 15 años de mi memoria spidermaniana.
Gracias Joe, para mi, y para los cientos de miles que compran los cómics de Marvel, tú eres un superhéroe.

Y ultimadamente...vol. 2

2009-10-20T13:43:00.000-07:00

Acercándose a la extinción última.
A pesar del general buen estado de salud de la línea, tanto los directivos como los fanáticos sabían que hacia falta una pieza en el entramado Ultimate. Hacía falta la versión moderna del cómic que inició la era Marvel y que apuntaló a Stan Lee como el imaginauta número uno.
Ultimate Fantastic Four no podía despegar, en parte porque se deseaba lanzarlo con bombo y platillo, y en parte porque no se encontraba al talento adecuado para llevarlo a cabo. En las primeras etapas de gestación se rumoró que sería Grant Morrison quien narraría las aventuras de la primera familia Marvel pero un contrato de exclusividad firmado con la distinguida competencia eliminó dicha posibilidad. Siendo buenos previsores, Quesada y Jemas tenían otro as bajo la manga: Si por separado Bendis Y Millar había logrado triunfar en la línea ¿Qué pasaría si se juntara a los dos para escribir lo que debería ser el mejor título Ultimate? Ultimate Fantastic Four # 1 cumplió uno de los sueños de los fanáticos, mezclar los guiones llenos de acción y aventura de Millar con la facilidad de Bendis para desarrollar caracterizaciones a profundidad. Se hubiera esperado que UFF fuera algo más que un boom para la línea sin embargo los resultados fueron contradictorios.
A pesar de contar con altas ventas –debido en parte a la belleza de los trazos de Adam Kubert- UFF se considera el título más flojo de las series continuas que se mantienen dentro de la línea Ultimate. Poseyendo un ritmo lento, las historias desesperan si son leídas por episodios mensuales, situación que lleva a esperar que se editen las recopilaciones para poder medio disfrutar del cómic. Los personajes varían en su caracterización pues en momentos son temerarios y heroicos, y en otros son cobardes o indiferentes. Detalles básicos como el sufrimiento de Ben Grimm no se mantienen a lo largo de la historia y personajes como la Antorcha no ofrecen nada nuevo.
La situación se agravo con la llegada del escritor Warren Ellis, quien siempre ha abusado de la narración descomprimida, y las historias se hicieron aún más tediosas, y lo peor del caso, sin aportar nada relevante al universo en general. Tuvo que ser Mark Millar, ahora en solitario, quien logrará algo relevante con el título, introduciendo a los ahora megapopulares Marvel Zombies.
La llegada de Warren Ellis al universo Ultimate también trajo consigo una tríada de miniseries que pretendían ser la aventura más épica contada hasta entonces dentro de la línea, contando con la participación de todos los personajes ultimatizados. Tratando de reformular una de las historias clave dentro del universo Marvel -la llegada de Galactus, el devorador de mundos- Ellis escribió las miniseries Ultimate Nightmare, Ultimate Secret y Ultimate extinction, las cuales fueron rápidamente olvidadas debido al ritmo lentísimo con que están escritas y porque no aportaron cambio alguno al estatus de los personajes. Esta situación prendió los focos rojos en los ojos de Quesada, quien se dio cuenta que ya era necesario un giro a la propuesta original del la línea.
Llega el ultimátum.
El principal problema de la línea actualmente es que ya cayó en el mismo vicio que originó su creación: la continuidad. Las series ya llevan 7 años contando historias, introduciendo personajes y planteando situaciones. Situaciones como el retraso en la publicación de algunos títulos -Ultimate Iron Man y Ultimate Wolverine vs Hulk por mencionar algunos- han menguado el interés del público, y el cambio de equipos creativos (exceptuando a Spider-man que siempre ha mantenido a Bendis) ha propiciado que poco a poco se vaya perdiendo la coherencia original, lo que aunado al poco cuidado editorial que ha habido en eventos como Ultimate Power (un crossover entre la línea Ultimate y el universo de Supreme Power) han convertido en escépticos a los otrora fanáticos de la línea, a pesar de contar con la creatividad de los pesos pesados de Marvel Bendis, J. Michael Straczinsky y Jeph Loeb.
Y es justamente Jeph Loeb el encargado de revitalizar por completo la línea Ultimate, comenzando por escribir el tercer volumen de The Ultimates. Lo que Loeb pretende no es continuar el camino andado por Millar sino dotar de más heroicismo al equipo genial, y si le hacemos caso a su comentario refiriéndose a que ésta historia será más Ultimate Avengers que Ultimates, lo que podemos esperar es más acción clásica de superhéroes y menos comentario social, también se da por hecho que el humor negro desaparecerá y que detalles como la sexualidad de los superhéroes quedarán relegados a segundo plano.
Loeb también está preparando Ultimatum, crossover que tentativamente abarcará los títulos de Ultimate X-men y Ultimate Fantastic Four y que se mantiene en el más absoluto secreto, pues a decir del escritor servirá para refundar los cimientos del universo Ultimate y prepararlo para los años por venir, cerrando lo que él llama el primer capítulo en la historia de dicho universo.
Al mismo tiempo, Bendis ha prometido explicar de una vez todas las líneas argumentales inconclusas desde Ultimate Spider-man # 1 y otras que surgieron en “Ultimate Marvel Team-Up”, en especial las referentes a cierta teoría conspiratoria acerca del origen de los superhumanos dentro de ese universo. Ultimate Origins develará por vez primera las relaciones existentes entre Nick Fury, Norman Osborn, el suero del supersoldado y Hulk. También funcionará como un apartado dentro de Ultimatum, tratando de regresarle a la línea la congruencia que tuvo en sus principios. Bendis ha prometido no dejar cabo suelto y preparar el terreno para que siga habiendo Universo Ultimate por muchos años más.
Y ultimádamente…
A pesar del estado actual de la línea, que parece haber perdido la chispa de originalidad de sus principios, debe reconocerse que en su momento fue el motor que impulsó a Marvel a salir de la bancarrota. El éxito financiero conseguido no fue producto de trucos mercadotécnicos o trampas editoriales, el éxito se debió al cuidado que se tuvo en la concepción y a que se pretendió “innovar” dentro de un mercado débil y carente de ideas. Ultimate Marvel demostró que cualquier proyecto, si se realiza con respeto, profesionalismo y pasión, puede triunfar.
Obviamente el futuro de la línea Ultimate dependerá de las ventas que mantenga, pero con los planes por venir es más que seguro que seguirá habiendo reimaginaciones de los personajes e historias clásicas. Pero el principal objetivo ya se logró, atraer la atención de nuevos y jóvenes lectores, quienes permitirán que la industria que tanto nos gusta siga viva por muchos años más.

Friquipedia

Algunas curiosidades sobre los arquitectos del universo Ultimate.
- Aparte de escribir cómics, en sus ratos libres Mark Millar solía redactar discursos para políticos en su natal Escocia, situación que pudo haber desencadenado su gusto por humillarlos dentro de sus historietas.
- Jeph Loeb también es productor de la serie de televisión Heroes, que a decir de muchos es el primer programa en capturar la sensación de lectura de un cómic. No somos nadie para negarlo.
- A pesar de ser de los escritores más vilipendiados y criticados, los cómics de Brian Bendis consistentemente ocupan los primeros puestos en las listas de ventas ¡Vaya ironía!
- Brian K. Vaughan, quien escribió algunos números de Ultimate X-men, también es productor y escritor de la serie televisiva Lost. Ojalá su presencia pueda inyectarle algo de interés a la serie.
- El debut de Joe Quesada como dibujante fue en la serie Captain N, una historieta que se utilizaba para promocionar productos de Nintendo ¿Quién hubiera imaginado que ese jovencillo se iba a convertir en uno de los hombres más poderosos de la industria?
- Durante la estancia de Bill Jemas como presidente de Marvel, la compañía resucitó a los X-men al mando Grant Morrison, hizo que los fans olvidaran la saga del clon de Spider-man y revivió la añeja rivalidad con DC a tal punto, que a la fecha los dueños de Batman y Superman se oponen a la realización de crossovers intercompañías.

Antecesores del universo Ultimate.
El volver a narrar las aventuras de héroes conocidos partiendo de cero no es nada nuevo. DC Comics lo hizo a mediados de los 80, reseteando la historia de Superman, Batman, Wonder Woman y alguno que otro héroe dentro de la ya mítica historia “Crisis on infinite earths”. La misma Marvel lo intentó a mediados de los 90 con la línea “Heroes Reborn”, que transportó a Captain America, Iron Man, Fantastic Four y los Avengers a un universo de bolsillo creado tras la muerte de Onslaught, en donde se creo un nuevo origen y personalidades para ellos. Y casi a finales de esa misma década, se le encargó a John Byrne (famoso por sus corridas en Uncanny X-Men y Fantastic Four) regenerar el mito de Spider-man en la sugerentemente titulada Spider-man Chapter One. De sobra está decir que fracasó.

Diferencias entre el universo Ultimate y el universo Marvel clásico.
- Nick Fury es negro.
- En lugar de ser fotógrafo para el Daily Bugle, Peter Parker es el webmaster del sitio oficial del diario.
- La tía May no es una anciana indefensa e inútil, su versión ultimatizada la pone como una mujer activa, que supo rehacer su vida tras la muerte del tío Ben. A pesar de ello ya lleva su primer infarto.
- Nick Fury es negro.
- Bucky no murió junto con Captain America, al contrario, le sobrevivió y terminó casándose con la novia del capi ¡Lo bueno es que eran amigos!
- Gwen Stacy no es la chica modosita y tierna de la serie original, aquí es una rebelde sin causa que escucha punk rock y gusta de golpear abusones.
- ¿Quedó claro que Nick Fury es negro?
- Wolverine es un asesino sueldo de Magneto, Jean Grey tiene un look muy alternativo y Juggernaut es un mutante de a de veras.
- El Hulk caníbal es el resultado de mezclar un intento de suero de supersoldado con los traumas psicológicos de Bruce Banner.
- La relación entre los hermanos Quicksilver y Scarlet Witch da muuuuchas cosas en que pensar.
- Lilandra, en lugar de ser la emperatriz extraterrestre, es la lideresa de un culto a la fuerza Fénix, aunque también tiene sus amoríos con Xavier.
- Por lo menos hasta Ultimate Spider-man # 100 la única persona que no conocía la verdadera identidad de Spider-man era la tía May

Personajes que nos gustaría ver ultimatizados.
- Blade: Si bien ya apareció en Ultimate Spider-man Super Special (el número final de Ultimate Marvel Team-Up) y en Ultimate Spider-man # 95, todavía falta por conocer su nuevo origen y sus diferencias con su contraparte clásica.
- Dark Phoenix: Todo parece indicar que pronto aparecerá en las páginas de Ultimate X-men, pero las habas se nos cuecen de ver a esta fuerza desatada, sobretodo con una Jean Grey más liberada y atrevida.
- She-hulk: Si el Hulk macho es una bestia de destrucción masiva ni nos imaginamos como será la versión femenina ¡Aguas con los antojos de chocolate!
- Runaways. El equipo original todavía es jóven –en términos de su edad editorial-, sin embargo sería interesante verlos drogándose o teniendo sexo sin protección, justamente como los adolescentes de la calle hacen en la vida real. Imprescindible que los escriba Mark Millar… o mejor Garth Ennis.
- Herbie The Robot: Imagínense al androide nana de los Cuatro Fantásticos dándole nalgadas a Ultimate Franklin Richards –quien es un niño con déficit de atención, hipocondríaco y anoréxico-. No tiene precio.
- Superman: Cualquier cosa con tal de hacerlo interesante.

Ultimate Spider-man el videojuego.
En un hecho sin precedentes, Ultimate Spider-man tuvo un crossover con el videojuego del mismo nombre. La trama fue escrita por Brian Bendis y se considera dentro de la continuidad del cómic, a pesar de las discrepancias que tuvo con éste números más adelante. En el juego podemos ser testigos de la siguiente aparición de Ultimate Venom desde que fuera derrotado por Peter en las páginas del cómic, así como de la primera aparición de Ultimate Beetle.
La historia del juego ahonda más en la relación entre los padres de Eddie Brock y los de Peter Parker y lo más relevante que aporta al canon es que fue el padre de Eddie quien propició la muerte de los padres de Peter al probar el traje de Venom en el avión en que viajaban.
El juego es de una calidad media y recuerda mucho a las adaptaciones que se hicieron de las películas. Realmente no es necesario conocerlo para entender la historia impresa.

Y ultimadamente... 1a parte

2009-10-19T14:51:00.000-07:00

Cuando uno comienza a escribir se genera cierta adicción por exponer ideas, transmitir datos y por ser leído. Por supuesto que en una publicación con número de páginas limitado, tendrá máyores oportunidades de serlo aquel que ocupe más páginas con su prosa. De ahí que las ganas por ocupar el lugar del artículo central en la extinta revista de cómics nunca se me quitaran. Cuando me ofrecieron ocuparlo no dudé ni un instante, lo utilizaría para explayarme sobre le Universo Ultimate de Marvel, en su momento los mejores cómics de superhéroes.
El siguiente texto nunca vió la luz, algún (a) editor (a) miope lo consideró no apto para engalanar la prestigiosa publicación. En fin, que después de varios años he decidido hacerlo público. Para aquellos enciclopedistas tengo que advertir que fue escrito mucho antes de que se editara Ultimatum, y cuando miniseries como Ultimate Human eran tan sólo un rumor. No decidí actualizarlo debido a que la información más reciente está disponible casi en cualquier lado.
Aún así quiero que lo conozcan por si hay dudas sobre el origen de dicho universo. Si no lo han léido ¿Qué esperan?
El texto es tan largo que lo dividí en dos partes, mientras disfruten la primera.

ULTIMATE MARVEL. CÓMICS PARA EL SIGLO XXI.

¿Qué se necesita para que una línea de cómics sea exitosa? ¿Buenos dibujantes? ¿Mejores escritores? La Casa de las ideas sabe que nada es tan bueno como los clásicos, así que ¿Para qué componer lo que no está roto? Simplemente tómense los personajes insignia, háganlos cool para las nuevas generaciones y listo, el universo Ultimate está dispuesto para conquistar a los fanáticos.
El poder y la responsabilidad.
A pesar del sudor que corría por su frente, Brian Michael Bendis aparentaba tranquilidad escudándose en uno que otro chistecillo que le contaba a Joe Quesada y Bill Jemas, futuro editor en jefe y presidente, respectivamente, de Marvel Comics, el gigante editorial que se encontraba pasando por una de las etapas más difíciles de su historia. Entre un marasmo de malas decisiones corporativas, pésimo interés creativo y un mercado comiquero reventado, la casa editorial había llegado a la bancarrota, cobijándose bajo recovecos legales para impedir que sus personajes pasaran a formar parte de cualquier otra editorial. Pero más que las dificultades financieras, lo que preocupaba a Jemas era que los lectores de cómics estaban envejeciendo. Ya no había niños leyendo las últimas aventuras del Araña, en halloweeen nadie se disfrazaba de Hulk o de la Mole y en las tiendas especializadas el promedio de edad era de 35 años. Jemas sabía que de seguir así, la industria del cómic moriría de vieja junto con el último lector.
El nerviosismo de Bendis estaba fundamentado. A Jemas se le había ocurrido la maravillosa idea de revisitar la historia de los personajes emblema de la empresa, adecuándolos a los aires del siglo que recién estaba por comenzar y eliminando las décadas de continuidad que más que enriquecerlos, parecían hundirlos en la confusión, pues ningún neófito podía agarrar un número cualquiera de las series publicadas y entender de qué iba la historia. Además los tiempos habían cambiado, lejos estaban los temores a la radioactividad, la guerra fría y los movimientos sociales de los años 60, lo de fin de siglo era la tecnología de punta, la irreverencia y el internet. La generación Z no conocía las grandes sagas que cimentaron el universo Marvel ni se sabía al dedillo todas las identidades de Wolverine o los miembros que habían transitado por los Cuatro Fantásticos, Jemas sabía que había que reintroducir a los personajes a un nuevo mundo de lectores, lectores que no necesitaran conocer nada acerca de los personajes salvo lo básico.
Y Bendis lo sabía también. Sabía que Spider-man había perdido su encanto; sabía que él podía hacer que una nueva generación se fascinará con lo que volvió al personaje un ícono de la cultura pop; sabía que era lo que le hacía falta en la actualidad; y también sabía que una obra de esa magnitud podía lanzarlo al estrellato… o hundirlo como uno más de los escritores revisionistas que pulularon en los noventa (¿Estás leyendo John Byrne?).
Hijos del átomo.
Ultimate Spider-man # 1 destrozó todo tipo de especulaciones que se pudieran haberse hecho al respecto. La manera en que se adecuó el personaje a los tiempos modernos –a Peter ya no lo muerde una araña radioactiva, ahora es mordido por una araña genéticamente modificada-, la fluidez en el diálogo de Bendis –Peter habla, piensa y se comporta como un adolescente- y, sobretodo, el respeto al ícono, le valieron aplausos tanto por los lectores como por la crítica. Poco importó que Bendis hubiera escrito en siete números lo que a Stan Lee le tomó 11 páginas, el nuevo Spider-man era atractivo –y adictivo- para lectores casuales, quienes se fascinaban por identificarse con el personaje, y para veteranos, quienes alababan el regreso a las raíces perdidas.
El experimento había triunfado. El relanzamiento del personaje significó las más altas ventas para Marvel en años y posicionó a Bendis y a Mark Bagley –dibujante- como superestrellas. Marvel volvía a ocupar su lugar correspondiente en la estima del respetable y Bill Jemas sabía que había que aprovechar el momentum, ahora revisionando la segunda franquicia de la empresa: los X-Men, quienes estaban frescos en el imaginario colectivo al triunfar en su propia película. Sin embargo, Joe Quesada tenía en cuenta que uno de los errores de Marvel en los noventa fue inundar el mercado con series que explotaban hasta la nausea cualquier indicio de éxito, fueran personajes o formatos, por lo que rápidamente acordó con Jemas en cuidar la calidad de cada serie que se publicara bajo el sello, entendiéndose esto como no lanzar una serie nueva hasta tener al equipo creativo correcto ni abusar en el número de series en publicación. El futuro del universo Ultimate estaba asegurado.
Por supuesto que la primera opción para dar el tratamiento Ultimate a los X-men fue el mismo Bendis pero, comprometido como estaba con el proyecto, declinó la oferta argumentando que no se sentía capaz de escribir un cómic centrado en un equipo. Por recomendación del mismo Bendis, y por volverse famoso al escribir un pequeño cómic de culto –The Authority-, Mark Millar, acompañado de un Adam Kubert más que pulido en ilustrar a los mutantes, llegó rompiendo tabúes y regenerando personajes, pero manteniendo el espíritu de protesta que marcó a la serie original. Ultimate X-men # 1 presentó al equipo enfundado en trajes de cuero, lo que enganchó a los fans de la película, y actitudes más proactivas, lo que sedujo a los conocedores de los personajes originales. Aquí Wolverine es el asesino que siempre debió ser, Cyclops sí se comporta como líder y Jean Grey es una dama de armas tomar (incluyendo las de Wolverine). Volviendo a narrar los clásicos, aunque con una visión más cínica, Millar consolidó al universo Ultimate como el lugar más agradable y, paradójicamente, original para contar historias dentro de Marvel.
Personas de destrucción masiva.
Ya cimentado el éxito creativo y financiero de la línea, lo único que restaba era decidir qué tan grande sería el universo y qué personajes serían acreedores a la “ultimatización”. Para tantear un poco el terreno, se lanzó un título antológico Ultimate Spider-man Team-Up en dónde Bendis jugaría con varios personajes del universo Marvel tratando de adaptarlos al nuevo terreno. Lo que hacía diferente a este título, aparte de las recreaciones de algunos personajes –entre los que aparecieron Iron Man, Blade, Dr. Strange y Shang Chi-, es que el arte estuvo a cargo de dibujantes pertenecientes a la escena independiente –destacando Mike Allred, Phil Hester y Terry Moore-, por lo que la serie se consideró un logro en cuanto funcionó como escaparate de un dibujo poco convencional. El mismo Bendis escribió el cómic de una manera poco ortodoxa, combinando historias serias y enriquecedoras de la continuidad Ultimate (P. Ej. Los números de Hulk) con narraciones satíricas, fuera de continuidad, que confundieron a más de uno (P. Ej. El número de los Cuatro Fantásticos). A lo largo de los años de existencia del Universo Ultimate, y más ahora que ya tiene una continuidad establecida, Bendis ha señalado que de esa serie aproximadamente el 80% forma parte del canon y el resto no debe ser considerado como tal, lo que no ha dicho es qué si y qué no.
Poco después, Marvel decidió que era tiempo de trasladar a los héroes más poderosos de la Tierra a esta nueva tierra de aventuras. Nuevamente de la mano de Mark Millar, y esta vez apoyado en el trazo ultradetallista de Bryan Hitch, los Avengers sufrieron el cambió que quizá terminó por el ser el cómic por el que el universo Ultimate será recordado. The Ultimates es el título que se le dio a la serie que narraría las peripecias de Captain America, Thor, Hulk, Iron Man y asociados, y ya desde el título nos damos cuenta que no se trataba únicamente de otra reimaginación de historias clásicas, aquí los personajes se erigen como entidades propias, adquiriendo una tridimensionalidad que opacó a su contrapartes del universo original.
Millar utilizó en The Ultimates las mismas herramientas que hicieron de The Authority un clásico de nuestro tiempo: un realismo atroz, un cinismo rampante y un humor negro pesadísimo, sólo que esta vez era con personajes de Marvel, lo que despertó el interés y el morbo de los lectores. La polémica se tradujo en una apreciación por parte de los lectores, lo que a su vez se convirtió en ventas, y Millar se consagró como uno de los mejores escritores de los últimos años. Jemas y Quesada no podían estar más contentos, habían logrado lo imposible, rejuvenecer a su personajes, no fracasar en el intento, atraer nuevos lectores y regresar al medio comiqueril a su lugar como proveedor de emociones.
Gran Robo a America.
El éxito de este Universo alterno fue tal que comenzaron a circular rumores –y en cierta forma, deseos- acerca de que Marvel planeaba desaparecer el universo central (o 616 como también se le conoce) y lo iba a suplantar por el universo Ultimate, relanzando a todos los personajes desde cero, algo muy parecido a lo que su rival DC realizó con Crisis en las Tierras Infinitas. Fue Quesada quien desmintió dichos rumores, además de oponerse rotundamente a un crossover entre ambos universos, postura que mantiene hasta la fecha y que ha terminado por dotar al universo Ultimate de un aura de unicidad, manteniéndolo como un subsello y no como una mera realidad alterna.
A pesar del cuidado que se tuvo de no expandir la línea para no saturar a los lectores, era inevitable que se tratara de exprimir un poco más a la gallina de los huevos de oro y fue mediante una treta ideada por Jemas que se intentó lanzar un título completamente original para este universo . Ultimate Adventures se llamó uno de los títulos competidores en U-Decide, un concurso en el que los lectores decidirían cual de las tres series se seguiría publicando después de pasado el tiempo de prueba. Éste título fue escrito por Ron Zimmerman, guionista de cine y tv, amigo de Jemas. En él podemos conocer las aventuras de Hawk-Owl y Woody, parodias de Batman y Robin que no tienen contraparte en el universo Marvel original, que no terminaron por agradar al público seguidor de la línea. De hecho, este título es considerado como un intento descarado por explotar el sello Ultimate, y así fue visto en su tiempo, por lo que los lectores lo castigaron no comprándolo. Esto, y el continuo retraso de su publicación, lo sepultaron sin permitir conocer si realmente tenía conexión con el resto del universo.
El otro intento por expandir la línea fue, sino más sincero, por lo menos más cuidado en la etapa de planeación. Ultimate Daredevil and Elektra significó la aparición del defensor de Hell’s Kitchen y su amor platónico dentro de esta línea. El encargado de relatar las aventuras de estos dos vigilantes fue el novelista Greg Rucka, famoso por sus thrillers que se han convertido en best sellers, en donde el espionaje es el eje central, razón por la que se le encargó la realización del cómic. Con este título comienza a notarse la falta de imaginación dentro del subsello, y no es que sea malo, sino que realmente no existe diferencia entre los personajes y sus contrapartes clásicas salvo en la edad. La frescura e innovación dentro de historias conocidas fue lo que le permitió a los títulos originales ganarse el respeto de los fans, aquí, es notorio que el título se lanzó para aprovechar el éxito y no se reimaginó a los personajes lo suficiente, dejando al lector con un sabor agridulce.
Todavía se realizó una continuación, llamada ahora únicamente Ultimate Elektra. En esta miniserie se trató de rescatar al personaje y dotarlo de una personalidad propia pero en aras de respetar la continuidad no pasó de ser un mero intento… que posiblemente auguró el porvenir.

Continuará...

¡¡¡¡SSSSEEEEXXXXOOOO!!!!

2009-10-16T14:24:00.000-07:00

Ahora que tengo su atención, déjenme decirles que, efectivamente, les voy a hablar de sexo, sólo que no como lo imaginan.
Hace ya un par de años escribí el siguiente texto para la, en ese entonces, única revista especializada en cómics que se "editaba" en México. Si mal no recuerdo fue con este artículo que debuté en una publicación impresa, por lo que le tengo especial cariño, a pesar de que considero que no quedó tan bien como lo esperaba.
De todas formas, lo anterior no impide que me guste, en parte por ser mi pinino editorial, y también porque trata sobre una obra de difícil acceso y aún más difícil comprensión. Si pueden léanla.

Lost Girls. La pérdida de la inocencia (y la ganancia de una vida).

Al igual que en el cine, la pornografía se considera un género menor, apto sólo para pervertidos y enfermos mentales. Alan Moore ha logrado demostrar no sólo que puede ser una herramienta más en la narración de una historia, sino que también puede existir algo llamado arte porno.
Las Perdidas.
El título hace referencia a tres muchachas que sufrieron (o gozaron, dependiendo del cristal con que se mire) un importante cambio durante su adolescencia temprana: el descubrimiento de su sexualidad. Lo anterior no sería una anécdota suficiente como generar una novela gráfica que consta de 3 tomos y 264 páginas, pero si observamos que las tres mujeres son tres de los más importantes personajes de la literatura infantil, entonces la cosa cambia.
La novela trata sobre el encuentro de Alicia -después de su recorrido por el país de las maravillas-, Dorothy –quien posee un para de zapatillas plateadas como único recuerdo de su viaje por la tierra de Oz-, y Wendy –quien no se volvió a encontrar con la estrella de Nuncajamás-. Las tres muchachas convergen en un hotel austriaco únicamente para descubrir que lo que tienen en común es algo más que las memorias olvidadas de sus travesías por parajes de fantasía, algo que las hace encontrar un aspecto que creían perdido desde el momento mismo que conocieron la capacidad de su cuerpo para sentir placer.
En efecto, las tres mujeres redescubren el gozo del sexo como una forma de expresión, una forma de liberarse de las ataduras impuestas por la sociedad, en especial las de los hombres y, de una manera entre onírica y alucinatoria, Alan Moore realiza un análisis extremadamente complejo y completo sobre la sexualidad reprimida en las obras originales de los personajes.
Art pornó.
A primera vista, Lost Girls parece un obra pornográfica en donde su único objetivo pareciera ser el mismo del cine comercial de ese género: presentar desnudos al por mayor, escenas de sexo gratuito y sin fundamento, presentar a la mujer como un objeto, y la que sin duda es la característica que define al porno, parece estar dirigido únicamente al público masculino.
Una lectura más profunda revela que, si bien los desnudos abundan por toda la obra, estos no son más que la herramienta que el escritor utiliza para mostrar que las mujeres se han liberado de todo tipo de ataduras, viviendo una libertad que ni siquiera las ropas les podrán quitar. Estando desnudos, los personajes son capaces de abrirse entre ellos (tanto figurativa como literalmente) y mostrarse tal cual son, seres humanos con necesidades afectivas, emotivas y, por supuesto, físicas.
La diversidad sexual es un elemento muy importante dentro de la novela, y es lo que marca la pauta para que se defina como una obra incluyente y sobre todo, apta para todo tipo de público. Las mujeres son tratadas como seres independientes, fuertes y decididos, que pueden elegir cuando y con quien van a gozar. Los hombres descubren que tener relaciones entre ellos puede ser una manera más de burlarse de las mujeres y de darse cuenta que lo suyo no era la heterosexualidad, o por lo menos, que el bisexualidad otorga mayores posibilidades de obtener fuentes de placer.
Sexo y niveles.
Como toda la obra de Alan Moore, Lost Girls no es una lectura lineal, y su seguimiento puede volverse difícil si no se presta atención hasta al más mínimo detalle. El arte de Melinda Gebbie (ilustradora de algunos segmentos de Tomorrow Stories y esposa de Moore) también narra parte de la historia, por lo que es de suma importancia detenerse en cada viñeta y observarla desde la figura central hasta los fondos, pues uno nunca sabe lo que el dibujo puede contarnos.
Si uno decide leer la novela de corrido podrá obtener una lectura pasional y excitante (en el sentido sexual), pero la experiencia estaría incompleta y además sería un insulto a los creadores, pues ellos se han tomado las molestias de realizar una obra que envuelva los aspectos más relevantes de la sexualidad humana representados en las narraciones de los tres personajes principales, además de realizar una especie de psicoanálisis –sin la misoginia característica de dicha disciplina, claro está- de las aventuras referidas, transformándolas de meras anécdotas fantásticas a una realidad en la que cada una de ellas sufrió un despertar a la sexualidad, si no brusco, por lo menos inesperado y bastante placentero, al grado de marcarlas para siempre y separarlas como individuos, pero al mismo tiempo, unirlas como solo la pasión puede hacerlo.
El viaje de cada una no es más que el deseo de dominar cada parte de su cuerpo, descubriendo las posibilidades que el autoconocimiento puede traer. Dorothy es presionada por la amenaza de un tornado, y es el miedo la muerte lo que la hace despertar al autoplacer sexual. Wendy descubre que el amor familiar puede ser más que eso, y necesita de un extraño para abrir los ojos. Alicia se escapa de lo que podría ser un evento traumático –es abusada por alguien mayor- y lo convierte en un reflejo, un tanto narcisista, de su vida por venir. Si uno lee con atención, y un poco de morbo, las obras originales de los personajes podrá darse cuenta que no son tan inocentes como aparentan, al contrario, todas ellas envuelven un fuerte contenido sexual, del que Alan Moore y Melinda Gebbie beben para entregarnos una odisea netamente pornográfica.
Coitus perenne.
Alan Moore vuelve a lograr una obra nada complaciente y nos entrega la muestra de que, tratada con respeto y seriedad, la pornografía es una herramienta narrativa más completa que el mismo erotismo. El objetivo de la novela no es provocar una rato de calentura, el objetivo es demostrar que cada quien dueño de su cuerpo, de sus emociones y de sus posibilidades. Lost Girls es el sueño de todos: la libre expresión en su más amplio sentido, el carnal.

Friquipedia:

-Alicia aparece originalmente en Alicia en el país de las Maravillas y continúa sus aventuras en Alicia a través del espejo, ambas escritas por el inglés Lewis Carrol. Frank L. Baum es el creador de Dorothy, quien aparece por vez primera en El Mago de Oz y es un personaje recurrente en las trece novelas que le siguieron. Wendy es resultado de la imaginación de J. M. Barrie, quein la creo para Peter Pan.

-Alan Moore es conocido por haber creado clásicos del cómic entre los que destacan V for vendetta, Miracleman, The League of Extraordinary Gentlemen, y el que se considera el mejor cómic jamás escrito, Watchmen, que junto con The Dark Knight Returns de Frank Miller, sentó las bases del cómic moderno.

-Moore suele utilizar personajes literarios clásicos para sus cómics debido a que los derechos de autor ya han expirado y se han vuelto del dominio público, sin embargo, Lost Girls no ha podido ser publicada a Inglaterra debido a que los derechos de Wendy todavía le pertenecen a los herederos de J. M. Barrie. Se supone que esos derechos caducan en 2008, por lo que los lectores ingleses se quedarán esperando hasta entonces.

Nuevo clásico

2009-10-14T07:51:00.000-07:00

Todos conocemos Watchmen, The Dark Knight Returns, la corrida de Dennis O'Neil y Neil Adams en Linterna Verde, los Cuatro Fantasticos de Stan Lee y Jack Kirby, y sabemos que son parte de los grandes clásicos del mundo comiqueril. ¿Pero alguna vez han pensado cuáles de los cómics que leen ahora serán considerados clásicos en un futuro?
Aunque ya no es tan nuevo, yo me atrevo a postular a Bone, historieta que comenté hace algunos ayeres en una publicación dedicada al tema de los cuentos. Les dejo mi comentario, sin adulteraciones ni edulcorantes.

LA AVENTURA DE BONE.
Una fantasía para todas las edades.

Fanáticos de lo imposiblemente bello: ¿Se imaginan una historia que reúna el contenido épico de “El Señor de los Anillos” con la fascinación que ejercen los personajes de Disney y que sea tan sencilla de leer como un manga? No busquen más, Bone reúne todo eso, además de ser el abanderado en el triunfo de las editoriales independientes.
Fuera de Boneville
Al niño Jeff Smith lo que le gustaba era dibujar. Tanto, que el mejor regalo que su madre pudo darle a la tierna edad de cuatro años fue un montón de hojas de papel bond que habían sido utilizadas para fotocopias y que todavía tenían una cara blanca en donde poder plasmar auténticas obras de arte. No pudiendo ocultar su gozo, el pequeño Jeff comenzó a trazar dibujos de unos personajes sospechosamente parecidos a algunos que de los que tenía referencia por periódicos y televisión de la época : Gasparín, el fantasma amistoso, y Pogo, una tira cómica que fue la culpable de que Jeff se dedicara al mundo de los cómics al llegar a su edad adulta.
Los personajes del niño Smith no parecían muy atractivos: humanoides, blancos, desnudos, cabezones, narizones y descalzos. Lo interesante eran todas las curiosas aventuras que se les presentaban, pues a la imaginativa mente de Jeff no dejaban de ocurrírsele tretas para complicar la existencia de los tres primos Bone.
Tiempo después, al cursar la universidad, Smith tuvo la oportunidad de publicar una tira cómica en el periódico universitario. No lo pensó dos veces, retomó los personajes creados en su infancia y decidió crear un universo en donde desarrollarlos. “Thorn” fue el nombre que recibió la tira y fue tal su éxito entre los estudiantes que Smith consideró editar su propio cómic, a fin de dar cabida a todas las ideas que tenía para los primos Bone y para Thorn, principal personaje femenino de la serie. Jeff Smith no sabía que al publicar Bone # 1 sería participe de la mayor revolución en el mundo de los cómics: demostrar que la publicación independiente podía ser sostenible y hasta rentable.
La gran carrera de vacas
Phoney Bone, Smiley Bone y Fone Bone son tres primos del pueblo de Boneville, que tienen que salir por patas luego de que Phoney terminara, de manera poco noble, con su carrera política como alcalde del pueblo. Al vagar por el desierto terminan separados y perdidos, reencontrándose en una tierra desconocida –conocida únicamente como El Valle-, poblada por seres que van de lo amigable -Thorn, la abuela Ben o el Gran Dragón Rojo- a lo terrorífico –El Encapuchado o el Señor de las Langostas- pasando por los malévolamente estúpidos –las criaturas rata, quienes proporcionan el alivio cómico a una historia llena de suspenso, emoción y buena vibra-.
A lo largo de 1332 páginas, o 55 números, como originalmente fue publicada, conocemos los deseos de la familia Bone por regresar a su pueblo, el destino de Thorn como salvadora de los pobladores de El Valle, la verdadera historia de la Abuela Ben, el origen, ascensión y caída de El Señor de las Langostas, el deus ex machina que significa la aparición de El Gran Dragón Rojo y nos reímos con la presencia de las estúpidas, estúpidas criaturas rata, cuyo máximo deseo es cocinar un quiché de Bone.
El cómic contiene todos los elementos propios de una historia épica: grandes batallas, personajes proféticos y profetizados, búsquedas, sacrificios, sinsabores y al final el triunfo del bien sobre el mal, sólo que a diferencia de otras historias, escrito de una manera interesante, creíble y lo mejor de todo, apta para todas las edades, pues la violencia únicamente aparece como herramienta para contar la historia y otorgarle un dramatismo trágico. Jeff Smith logra realizar una obra “infantil” sin caer en los clichés mercadotécnicos disneyianos como son los personajes nobles bobos, los malvados idiotas y los heroicos zonzos. En Bone, los buenos tienen sus propias tentaciones que muchas veces los hacen obrar de manera no tan noble, los malos llegan a generar cierta empatía y simpatía con el lector, y cada personaje que aparece a lo largo de la búsqueda de los primos Bone tiene un motivo para hacerlo, permite que la historia se enriquezca y logra un desarrollo mayor de las situaciones.
No hay que olvidar el humor, elemento medular de toda la serie y que en todo momento adereza la historia central, permitiendo una frescura y otorgando un ritmo continuo a la serie, además de hacer más amigables los momentos de tensión, llevando histéricamente de la tensión a la risa, evitando un paro cardiaco.
El verdugo de dragones.
Smith nunca imaginó el éxito que Bone llegaría a tener. Baste mencionar que en los primeros años de su publicación, el número uno llegó a alcanzar el precio de 150 dólares, récord para un cómic independiente y más para uno creado por un autor desconocido. Cabe mencionar que en los Estados Unidos el valor de un cómic atrasado sí está determinado por la oferta y la demanda (y no por la oferta y el deseo, como ocurre en nuestro país), por lo que fueron las ganas de leer la historia lo que llevaba a los coleccionistas a buscar tan preciado ejemplar, si a lo anterior le añadimos el bajísimo tiraje que gozaron los primeros números de la serie tenemos una explicación para tan remunerativo suceso.
El éxito de la serie se debió en parte a que en aquellos años (la oscura década de los noventa) prácticamente no existían cómics de calidad dirigidos a público de todas las edades. Además, en un mercado editorial plagado de clones de Mcfarlane y Liefeld, el trazo simple y de fácil lectura de Smith (elemento obtenido, sin lugar a dudas, del manga japonés) resultaba refrescante y hasta original, a pesar de recordar al ya mencionado Pogo, influencia que el autor nunca ha negado como principal origen de la idea de Bone. No hay que olvidar que la historia, basada en todos los arquetipos generales de la literatura, remite a clásicos como La Odisea, El Señor de los Anillos o Las Crónicas de Narnia, por lo que cualquier persona que abra un cómic de Bone puede identificarse con cualquiera de los personajes, creando una sensación de pertenencia que sólo las grandes obras consiguen.
Cazadores de tesoros.
El impacto de Bone fue tal que el mercadeo no tardó en llegar. Esculturas, juguetes, playeras y hasta un par de videojuegos fueron realizados para tratar de satisfacer a los fanáticos de la serie. La editorial Scholastic, especializada en libros dirigidos exclusivamente a niños, reedito la serie a todo color y la introdujo en las librerías, con lo que Bone llegó a un público muchísimo mayor y diferente al que tenía en las tiendas especializadas en venta de cómics. Smith se aventó la puntada se escribir y dibuja dos precuelas: Rose, relatando la historia de la Abuela Ben (principal benfactora de los primos en la serie original), y Stupid, stupid rat tails, un cuento sobre un antepasado de los Bone. También reedito, en una edición limitada, la tira original de Thorn, completando así el ciclo.
La fantasía hecha realidad.
Vale la pena leer Bone solamente por un motivo. En un mundo en donde a menudo se confunde infantil con tonto, éste cómic demuestra que una historia puede ser disfrutada tanto por niños como por adultos sin traicionar la inocencia de los primeros ni insultar el criterio de los segundos, eliminando las fronteras que los estúpidos, estúpidos mercadólogos insisten en mantener. No me crean a mí, mejor háganse con Bone y accedan a un mundo lleno de emoción, lucha y estúpidas, estúpidas criaturas rata.

Tú a alguien le importas

2009-10-13T09:13:00.000-07:00

¿Te sientes sólo? ¿Crees que nadie da un rábano por ti? ¿Crees que a nadie le importas?
Pues a Screeching Weasel sí, y esta canción es la prueba de ello

Ahi está la letra para que se sientan bien:

i am alive i am here i am now i acknowledge the fact of my life
i am alive breathing walking and smiling acknowledge the fact of my life

there's a big big world everytime that i stepped in
'cause i'm getting tired of pretending that i don't really give a shit
there was guilt and shame there was fear and hate but now it's finally time
to appreciate the perfection of all life

all the times and places and time i'd waste i learned the hard way and ever since when i look forward or back i just gotta laugh 'cause it hit like a ton of bricks
i laid down on the ground and i looked around and i saw a miracle
i appreciate the simple beauty of the world

it came to me like a bullet to the heart
but it was there in front of me all along
so obvious
the only meaning of life is life itself
i'm not controlled by anybody else
i must get out of my way get out of my own way

Y la traducción nopalera:

Estoy vivo, estoy aquí, estoy ahora, reconozco el hecho de mi vida
EStoy vivo respirando, caminando y sonriendo, reconozco el hecho de mi vida

Hay un mundo muy muy grande cada vez que me asomo
porque me cansa pretender que me importa un carajo
hubo culpa y vergüenza, hubo miedo y odio pero ha llegado el tiempo
de apreciar la perfección de toda la vida

Todas las veces, lugares y el tiempo que desperdicié, aprendí del manara dificil y desde entonces
cuando miro hacia atrás o delante debo reír porque me pega como una tonelada de ladrillos
me tire en el suelo, mire alrededor y vi un milagro
aprecié la belleza simple del mundo

me llegó como una bala al corazón
pero estuvo frente a mi todo el tiempo
tan obvio
el único significado de la vida es la vida en sí
nadie me controla
debo dejar de estorbarme, de estorbar mi camino

Ok, en español no suena tan bien como en inglés, pero el chiste es disfrutarla y saber que hay grupos que se preocupan por decir cosas diferentes al amor, el desamor y todas esas monotonías que abundan en la música.
Posteriormente hablaré más de Screeching Weasel, una de las mejores bandas de punk de todos los tiempos.
Salud

Puros cuentos...

2009-10-13T07:42:00.000-07:00

Retomo esta columna que inicié en Comic Zone, en donde trataré temas referentes a la cultura comicñera (¿Por qué comicñera? Sigan leyendo este blog y se enterarán)desde una óptica analista, valemadrista y marxista -tendencia Groucho-.
Inicio con la primera columna publicada y, al igual que el texto de Ultrapato, también la presento sin recortes. No intento escudarme pero cualquier información errónea podría ser producto del contexto y los tiempos en que fue escrito el texto (hará unos tres años), cualquier otro error es absolutamente culpa mía.

POR UN APELATIVO AUTÓCTONO PARA LOS CÓMICS (Y PARA SUS DERIVADOS TAMBIÉN)

No hace mucho, en uno de los pocos espacios internáuticos sobre cómics que existen en nuestro país, el editor de Marvel en México, de manera socarrona, se atrevió a llamarles cuentos al producto que él se encuentra publicando actualmente. Casi de inmediato, las hordas de trolls que inundan ese espacio se aprestaron a responderle por tamaño atrevimiento: “¡Cómo que cuentos!”, “¡Tantos años de luchar por que respeten al cómic y alguien de la industria todavía les llama cuentos!”, “¡No es posible que alguien que dice amar al cómic lo denigre llamándole así!”, “¡Respeto a una forma más de arte!”, “¡Soy gay!” (Bueno, ese no tenía nada que ver, pero de seguro el que lo posteó aprovechó la confusión para salir del clóset, bien hecho). El punto es que todos coincidían en que llamarle cuento o cuentito a algo que es considerado el 9º arte (a ver si alguien me dice cuales son los otros ocho), al arte secuencial, a esa deliciosa mezcla de literatura y pintura, era una canallada y automáticamente estigmatiza de ignorante al que lo profiera.
La cosa está en que cuando yo era niño (no voy a decir mi edad pero les dejo una pista: mi caricatura favorita a los cuatro años era una versión de Fuerza G que no recuerdo aquí, pero en todos el mundo le llamaban “La Batalla de los planetas” ¿Cuándo fue la última vez que la transmitieron?) y quería leer algo de el Hombre Araña o de Linterna Verde, le a decía mi madre que me comprara un cuento del Hombre Araña o un cuento de Linterna Verde, o un cuento de Batman, o un cuento de la Mujer Araña. En fin, que mi madre sabía perfectamente a lo que me refería y justamente lo que me compraba era una revista con dibujitos y letritas, todo acomodado en elegantes viñetas. Un cómic, para no hacerles el cuento (¡Ja!) largo.
Y crecí, y durante años les llamé cuentos, hasta el boom de la muerte de Superman, en donde para un preparatoriano (ahí tienen otra pista) era impropio llamarle cuento a algo que se merecía más respeto, así que pasó a ser conocido como cómic. Años después reconozco sin tapujos que lo que merecía más respeto era mi autoestima, pues cambiar el apelativo del pasatiempo de toda mi vida no era porque el medio requiriera respeto sino porque ¡Cómo era posible que un adolescente leyera cuentos para niños! No señor, lo que leía eran cómics, otra forma de arte, algo de gente madura y propio de culteranos (ahora se que lo que madura se pudre).
Traumas aparte, la discusión internaútica antes mencionada me hizo pensar que a los mexicanos nos hace falta una palabra que sirva para designar al medio que tanto nos gusta. Los angloparlantes tienen, obviamente, el término comic book (aunque también manejan el término funnybook, que sería el equivalente a nuestro “cuento”), los francófonos utilizan bande dessinée, los italianos le llaman fumetto, los japoneses adoran su manga y los españoles tienen tebeo. ¿Así que por qué quedarnos atrás? Sería una muestra de verdadero patriotismo generar un término que designe al cómic y que todos los mexicanos lo manejemos. Habrá quien me diga que existe “historieta”, pero esa palabreja tiene un componente peyorativo (al igual que “casucha”, “pajarraco”, “gentuza” y la ya utilizada “palabreja”), así que ¡Cómo vamos a usar una palabra que lo denigre si es justamente lo que queremos evitar!
Así que desde aquí hago un llamado a que el apelativo unificador del arte secuencial para nuestro país sea (redoble por favor) “cuento”. Habrá quien se queje de que se puede prestar a confusiones con el formato literario pero no importa, porque en un país donde el promedio de lectura es medio libro al año nadie notará la usurpación del término. Además tengan en cuenta que no sólo el editor de Marvel en México y un servidor les llamamos así, Humberto Ramos, la coeditora de ésta revista y un sinfín de momias más también lo hacen, y no es que tengamos la verdad absoluta ni que seamos líderes de opinión (en un país donde un payaso puede serlo es un dudoso reconocimiento) pero contamos con la autorización que sólo la edad puede otorgar. Recuerden, más sabe el diablo por viejo que por diablo.
Discútanlo, sopésenlo, platíquenlo con la almohada, cuéntenselo a quien más confianza le tengan, si al final del día no arreglamos nada no hay fijón, después de todo… son puros cuentos.

Mi cómic mexicano favorito.

2009-10-12T11:29:00.000-07:00

Me gustan los superhéroes, no me avergüenza decirlo. Es más, alguna vez discutiendo con un conocido concluí que, más que leer cómics, me gusta leer superhéroes.
De niño no leía Kalimán, Fantomas, La Familia Burrón o cualquier otra de las historietas "cumbre" de la industria mexicana, yo leía al Hombre Araña, Supermán (así, con acento) y Batman, de cómic mexicano leía los de Parchis y recuerdo que me gustaban, aparte de ser fan del grupo (o sea, tenía 5 o 6 años, no se burlen), porque de repente tenían aventuras cuasi superheroicas.
En fin, penas ajenas aparte, en los 90 conocí el que a la postre se convirtió en mi cómic mexicano favorito. Lo que a continuación leerán fue publicado en Comic Zone, aunque la versión que presento aquí es la que originalmente mandé, sin recortes revanchistas ni edición podofacta*, además contiene muestras de mi finísimo sentido del humor (que a unos años de distancia me parece bien que las hayan eliminado en la versión impresa). Tal como dice ahí, próximamente pondré algo sobre los Valiants.

*Oséase, hecha con las patas

ULTRAPATO. EL DÍA QUE EL CÓMIC MEXICANO SE DETUVO

Fuera de los clásicos, pocos cómics mexicanos pueden considerarse de culto. Edgar Delgado puede presumir que tiene en su haber no uno, sino dos títulos que son fielmente buscados por los lectores y coleccionistas. Conozcan a Ultrapato (y próximamente a Valiants), un muy buen intento por crear una industria del cómic en nuestro país.
Llega la avanzada regia.
Corría el año de 1994 y el ambiente para los lectores mexicanos de cómics no podía estar mejor. Superman tenía poco de haberse muerto y el revuelo mediático creado generó un boom que aumentó la demanda y la oferta en cuento a títulos y calidad de impresión. Esta demanda también propició que comenzaran a proliferar tiendas especializadas en ofrecer cómics y sus derivados -ustedes saben, playeras, pósters, tarjetas, los pocos juguetes que en ese entonces existían, estatuas y, sobretodo, convivencia entre aficionados- y con un dólar que costaba $3.50, coleccionar cómics era un hobby realmente barato (situación que pocos meses después cambiaría gracias al tristemente célebre “error de diciembre”, que acabó con nuestros sueños y nos legó un dólar a $12, haciendo para muchos insostenible el vicio secuencial).
Como decía, el ambiente comiquero era tan bueno que hasta la primera convención dedicada al tema tuvimos. La ambivalente* Convención Quetzalcóatl, o Conque para abreviar, que fue el primer espacio formal en reunir en un mismo lugar a mercaderes, mercachifles, editoriales y creadores, permitiendo un espacio de libre expresión, libre fraternidad y libre transa para todos aquellos aficionados al llamado 9º arte.
Fue en esta convención donde un grupo de creadores oriundos de la Sultana del norte (Monterrey para los despistados) presentaron sus dinámicas creaciones. Se hacían llamar Estudio Cygnus y de todos los proyectos que mencionaron físicamente traían solamente uno: Ultrapato, creación del (en aquel entonces) jóven Edgar Delgado. El mundo no volvió a ser el mismo.
Superanimales=Superdiversión.
A primera vista Ultrapato no era más que una versión anserimorfizada** de Superman, y con el prefijo ultra- recordaba al entonces naciente “Ultraverse” (uno de los tantos universos superheroicos que surgieron en los noventa), por lo que la idea no sonaba atractiva. Era hasta que uno leía los números que trajeron a dicha convención (si la memoria no me falla eran el 1 y el 2) que uno notaba que se encontraba ante algo novedoso… por lo menos para el mercado mexicano.
“Ultrapato” fue el resultado de una mente que se había nutrido con las historias clásicas de X-Men, Spider-Man, Batman, Superman y demás fauna secuencial, y que intentó copiar las fórmulas que los hacían exitosos: historias directas, acción a raudales, dibujos claros, poses de pin-up, y sobretodo, un desenfado para únicamente presentar una historia de superhéroes sin pretender nada más. Ese fue el secreto del éxito subterráneo de Ultrapato y de su creador Edgar Delgado.
En el cómic conocemos a Carlos, un pato antropormorfo*** que no tiene nada que perder en la vida (así como muchos de nosotros, incluyendo a Peter Parker) que un día se encuentra un par de guantes perdidos por unos guerreros extraterrestres. Los guantes son las armas más poderosas que existen y le otorgan al portador habilidades tan fantásticas como el poder volar, lanzar rayos de las manos y superfuerza, además de dotarlo con un guardarropa superheroico clásico (mmmhhh, capa y ajuar de la era disco). Otro par de guantes llegan a las manos de un gallo**** quien, a diferencia de Carlos –que está muy conciente de que un gran poder conlleva una gran responsabilidad-, decide utilizarlos para hacerse rico***** y llevarse a dos o tres cristianos (¿serán creyentes los animales antropormorfos?) en el camino. El desenlace pueden adivinarlo.
El cómic de chin pun cuaz.
En los cuatro números que dura la miniserie podemos ver como Ultrapato se suena con el Ultragallo y como descubre cierta conspiración de una malévola corporación. Carlos por supuesto que tiene un interés romántico que lo pela a medias, además de toda la problemática que todo adulto joven que se respete goza -mantener el trabajo, pagar las cuentas, aguantar al mundo, etc.-, pero cuando es Ultrapato el planeta le queda chico, el cielo es el límite y nada lo detiene (bueno, quizás Ultragallo). Como pueden ver, esta historieta no es más que todos los elementos reconocibles del cómic moderno de superhéroes mezclados en una licuadora junto con un par de aguacates para darle algo de mexicanidad, entonces ¿Qué es lo que hace que todo aquel que lo lee se siente cautivado? La respuesta es sencilla: la historia está bien contada, no deja cabos sueltos y nunca es excesiva; los personajes son reconocibles y creíbles, además de que logran una empatía con el respetable tan estrecha como la de aquellos cómics de Stan Lee; el dibujo es de una calidad impresionante (para la media de cómics mexicano) y Delgado tuvo el buen tino de innovar agregando una tonalidad de grises al blanco y negro que le otorga un dinamismo y una profundidad nunca antes vista en la “industria” mexicana. En suma, “Ultrapato” fue el trabajo de alguien que ama los cómics y quería entregar un producto de calidad, cuidando cada detalle, desde el aspecto creativo hasta el aspecto técnico. Y lo logró.
Recordando los viejos tiempos.
Como había mencionado, el mayor mérito de “Ultrapato” y de su autor es no pretender más que contar una buena historia, situación que deberían copiar la mayoría de los creadores mexicanos. Edgar Delgado supo capturar la esencia del superheroísmo y plasmarla en una historia que, para adecuarla y darle un toque nacional, adornó con subtramas de corrupción policial y política con lo que, tristemente, los mexicanos podemos identificarnos plenamente. Estos elementos también serían utilizados, de manera más extensa, en el título “Valiants”, otra obra maestra de Delgado y otro hito del cómic subterráneo mexicano.
“Ultrapato” no propuso nada nuevo simplemente entregó lo que a todos nos gusta leer de una manera efectiva, bonita (en el sentido estético) y fácilmente digerible, los aficionados al cómic de superhéroes no pedimos más.
El canto del cisne, o mejor dicho, del pato.
Desgraciadamente, Cygnus Cómics sufrió de todos los males que aquejan a la indsutria nacional de la historieta. Escasa distribución, pocas ventas, retrasos en las ediciones, falta de patrocinios y mejores oportunidades para los creativos en otros mercados, hicieron que desapareciera no sin antes legarnos tres títulos que quedarán en la memoria del fandom mexicano: “Valiants”, “Lugo” y el muy querido “Ultrapato”. Ojalá algún día Edgar Delgado logre rescatarlo de la zona fantasmal, el cómic de nuestro país lo necesita.

*Ambivalente porque por muchos es considerada bendita y por otros tantos, maldita. Cosas de las dualidades características de la idiosincrasia mexicana, qué le vamos a hacer.

** O sea con forma de pato.

***O sea con forma de humano.

**** O sea el ave, no alguien que se cree muy muy.

***** O sea con dinero, no con los guantes

Identifique al friqui

2009-10-09T08:34:00.000-07:00

Inauguramos esta sección en la cual daremos a conocer el aspecto menos conocido de creadores famosos: su rostro. Por supuesto que hay muchos clavados que lo primero que buscan es conocer la cara de su artista favorito, pero habemos muchos que no nos importa, lo importante es la obra en sí.
Nuestro primer participante goza de una fama sorprendente, no por lo grande que es sino porque es una sorpresa que, teniendo tan poca calidad su obra, sean tan sobrevalorado por los lectores.

¿Pueden creer que con esa cara de nerd este pazguato pueda sacar un susto? Millones de ejemplares vendidos dicen que sí. En fin, que algo bueno tendrá.
¿Quién es?

De inspiraciones y conspiraciones

2009-10-09T08:05:00.000-07:00

Las teorías conspiratorias son divinas, sobretodo cuando poseen una lógica casi irrefutable. El gran problema con ellas es que, a pesar de sean lo más coherentes y congruentes posibles, la maroría de las veces parten de una premisa falsa.
Sin embargo, el ejercicio de creación conspiratoria es una buena manera de mejorar nuestras habilidades detectivescas, que a la postre pueden llevar a la resolución de verdaderos misterios domésticos.
El siguiente texto fue escrito para una fallida publicación sobre temas de ciencia ficción y fantasía. Si mal no estoy sólo se publicó un número pero debido a su pésima distribución nunca pude hojearlo, por lo que ignoro si vió la luz o no, y peor aún, ignoro si me dieron el crédito correspondiente (así que ya sabrán quien editó la dichosa revistilla jajaja).
En fin, que este texto fue mi primer intento por fundamentar una teoría conspiratoria, pero ahora que lo reviso veo con desagrado que no logré mi objetivo. En realidad tenía mejores pruebas pero en algún momento las olvidé o no supe como explicarlas mejor. Sin embargo, espero que más de un@ considere los argumentos que presento y quizás pueda mejorarlos y complementarlos.

¿QUIÉN ESCRIBIÓ HARRY POTTER?

¿Es J. K. Rowling la cara visible de un consorcio dedicado a generar best sellers? ¿La autora inglesa contrató escritores fantasma para entregar a tiempo los 7 volúmenes de la saga? Pero lo más importante ¿Por qué quedan tantos cabos sueltos o explicaciones confusas en puntos relevantes de la historia? Pudiéramos estar presenciando una mágica conspiración literaria, una que ha hecho posible la transmutación de letras en monedas y que, para bien o para mal, hizo posible que muchos niños agarraran por primera vez un libro.
El niño que vivió.
Con la saga de libros más exitosa de los últimos años terminada (¡Por fin!) se cierra un ciclo que difícilmente volverá a repetirse. Y es que el éxito de la serie de Harry Potter es tal que, descontando libros de adoctrinamiento ideológico (como La Biblia y el Libro Rojo de Mao), se ha convertido en el libro más vendido, siendo traducido a 64 idiomas, teniendo adaptaciones semianuales al cine y una plétora de mercancía que incluye juguetes, papelería, ropa y algunas añadiduras apócrifas a la saga (no se descarta que próximamente se anuncie la creación de cómics, los rumores ya flotan en la industria).
Por supuesto que las voces de los fanáticos se han dejado escuchar pidiendo la continuación de las aventuras del mago con un octavo libro, situación que a J. K. Rowling parece darle vueltas en la cabeza, sobretodo si se toma en cuenta que el séptimo libro “Harry Potter and the Deathly Hallows” ha recibido fuertes críticas negativas tanto por los expertos en letras como por los fans, aduciendo que el libro carece de la profundidad de las anteriores entregas y que, en su prisa por cerrar todas las líneas argumentales, la lectura se nota apresurada y deja más dudas abiertas de las que despeja.
Lo anterior es fácilmente observable si se compara el primer libro con los tres últimos. En “Harry potter and the Philosopher’s Stone” todos los detalles argumentativos son explicados a lo largo del relato, si un personaje lleva a cabo una acción, dicha situación tendría repercusiones que, independientemente de ser relevantes o no a la narración general, sirven como adorno para la lectura, adornos que enriquecen la experiencia literaria y que mucho tuvieron que ver con el éxito original de los libros.
La cámara secreta.
Uno de los principales argumentos que esgrimen los negadores del final de la saga es que no parece haber una continuidad en el estilo de escritura entre los cuatro primeros volúmenes y los tres últimos. Los primeros tiene un ritmo dinámico, casi vertiginoso, y cada capítulo ofrece una nueva situación para la historia, cada página adentra más en el conflicto narrativo y lo mejor, cada libro añade detalles al universo potteriano. Por otro lado, en los segundos la lectura se vuelve tediosa al haber capítulos enteros en los que no sucede absolutamente nada, y más aún siendo libros cada vez con mayor número de páginas. Los personajes ya no maduran, es decir, parecen estar estancados sin mostrar desarrollo en las actitudes o de plano contradiciendo lo expuesto en los anteriores libros (¿Harry usando una maldición Imperius? ¿Qué eso no lo hacían únicamente los death eaters?). Lo peor es que las únicas añadiduras al universo se dan en los capítulos finales, siendo un desenlace abrupto que no veía venirse en el grueso de la historia (las muertes de Sirius Black y Dumbledore son una muestra de ello) y que no sirve para el desarrollo del conflicto narrativo.
Es por todo lo anterior que ya empiezan a escucharse voces que hablan sobre una teoría conspiratoria en la que, o J. K. Rowling contrató escritores fantasma para terminar la serie, o J. K. Rowling no existe y estamos frente a la fachada de una plan editorial bastante exitoso.
Los fantasmas de Hogwarts.
Al final de “Harry Potter and the Order of the Phoenix” podemos leer como Sirius Black recibe un hechizo directo en el pecho y cae a través de cierto artefacto del que jamás sabemos su utilidad o por qué se encuentra escondido en las catacumbas del ministerio de magia. Los que hayan visto la película recordarán que claramente se escucha a Bellatrix Lestrange gritar avada kedavra antes de acertarle a Black. ¿Por qué un cambio tan sútil puede hacer una diferencia tan grande? Con la “muerte” en el libro muchos pensaron que Sirius Black regresaría triunfal en alguna entrega posterior, y de hecho eso es lo que da entender la historia, pues la situación de “el arco misterioso que atraviesa al caer” es un elemento digno de ser utilizado después, y de hecho, en alguno de los primeros cuatro libros así hubiera sido hecho porque, como ya dijimos, esa es una de las características narrativas de Rowling.
Esta situación ha llevado a pensar que hubo más de una mano escribiendo las aventuras del mago. La existencia de escritores fantasma, o negros como son llamados en el argot editorial, no es nada nuevo, escritores como Alexandre Dumas padre (a quien recordarán por haber escrito “Los Tres Mosqueteros”, “El Hombre de la Máscara de Hierro” o “El Conde de Montecristo”) ya los utilizaba para poder entregar a tiempo sus escritos, y de hecho sólo así puede explicarse una carrera tan fructífera. Otros escritores famosos de los que se rumora también los utilizan son Gabriel García Márquez (por lo menos para una columna editorial que publicaba en un diario) y Stephen King.
Pero volviendo al tema y en aras de ofrecer más pruebas también está la fecha de nacimiento de Neville ¿De qué sirve que haya nacido el mismo día que Harry? ¿Por qué ese momento es tan tenso en el libro? ¿Por qué no se volvió a tocar en los dos libros siguientes? La respuesta fácil: porque J. K. Rowling no los escribió.
Las reliquias mortales.
Los errores de continuidad a lo largo de toda la serie van desde detalles tan nimios como el orden en que la vara de Voldemort escupe las almas de las personas que ha matado (cuarto libro), hasta situaciones que influyen en la historia como esa de que Mad Eye Moody puede ver a través de la capa de invisibilidad de Harry (también en el cuarto libro) para que después se nos diga en el séptimo que la capa es a prueba de cualquier hechizo de revelación.
Son esos detalles los que alimentan la teoría conspiratoria y son notorios porque el éxito de la serie se basó en lo bien escritos que están los primeros libros. Cada cabo queda atado, cada personaje tiene una importancia, cada situación se resuelve de manera satisfactoria, y lo mejor, la historia está bien contada, es envolvente y atrapa desde la primera página. Todas estas situaciones cambian a partir del quinto libro, en donde dejan de suceder cosas, las acciones de los personajes no tienen consecuencias, no se retoman dichas acciones en los libros posteriores (salvo lo obvio), y la lectura se torna aburrida y sin espíritu.
¿Existe realmente J. K. Rowling?
Pero sin duda alguna lo más fantasioso de toda la saga de Harry Potter no es la magia a la que hace referencia, las criaturas que allí aparecen o la idea de un mundo imposible. Lo más fantasioso es la historia de la misma Rowling, quien escribió el primer libro en servilletas que robaba de restaurantes debido a que carecía de dinero para comprar papel (¿Y cómo pagaba el restaurante?), únicamente para que un bondadoso editor la descubriera y la convirtiera en la escritora más exitosa (recordemos que sólo después de dios y Mao) del mundo.
La idea del autor pobre que conoce el éxito con un golpe de suerte es el ideal de todo artista y ha sido llevado infinidad de veces al cine y la televisión, que la historia de Rowling coincida con el estereotipo puedo no ser una coincidencia y quizás estemos presenciando el primer megaproyecto multimediático iniciado por una editorial. Piénselo un poco: los altos mandos editoriales deciden crear una serie de libros dirigidos al público infantil, contratan a un grupo de escritores para que se avienten la saga entera, tienen listos los contratos para cine, televisión y lo que caiga, ahhh, y lo más importante, contratan a una actriz para que personifique al personaje más importante de la serie, una madre pobre y abandonada dispuesta a comerse al mundo en una sola página ¿El público la va a adorar no?
Sí, suena descabellado, pero la editorial Scholastic (la que editó a Harry Potter en EE UU) ya anunció justamente eso, quitándole lo de la autora heroína, con su nueva serie “The 39 Clues” y tuvieron el descaro de decir que será el nuevo Harry Potter. ¿Estamos frente a una nueva forma de control artístico? Sólo con magia lo sabremos.

Aquellos viejos tiempos...

2009-10-08T13:49:00.001-07:00

"No somos un grupo de superhéroes de cómic que se enreda cada mes en batallas sin sentido con súper criminales sin sentido para preservar el status quo. Si mis colegas y yo vamos a estar en primera línea arriesgando nuestras vidas, queremos hacerlo por un mundo que merezca la pena ser salvado."
-- Jack Hawksmoor, en The Authority #18

Alguna vez escribí para una ¿revista? llamada Comic Zone, fue un muy buen intento por realizar una publicación que le hablara a los comicñeros en su propio lenguaje y medio. Desafortunadamente, los malos tratos de los ¿editores?, aunado a una pésima visión editorial y comercial, hicieron que me saliera, sólo para que un par de números después la revista desapareciera totalmente.
Con todo, escribir ahí fue una muy buena experiencia, ya que me permitió pulirme y ¿mejorar? mi escritura, además de que descubrí que de lo que más gusta escribir es de cómics. En fin, que les dejo un texto que me aventé para sección que tenían que se llamaba Páginas perdidas, en donde la idea era contarle al lector que había sucedido en aquellas historias que, por angas o mangas, no se terminaron de publicar en nuestro país. En esta ocasión se le dedicó a uno de los mejores titulos de cómic que Editorial Vid alguna vez se atrevió a publicar: The Authority, que por supuesto dejó de publicarse a mitad de un interesantísimo arco argumental. La idea de la revista era que se contara con detalles lo que no se había visto en el país pero yo, como buen rebelde que soy, no podía limitarme a platicar la aventura, además de estar en contra de mis principios echarle a perder las historias al público, así que decidí contextualizar el cómic.
Por supuesto que recibí una velada reprimenda por no haber seguido las reglas editoriales al pie de la letra y ahora que lo veo en perspectiva, ahí comenzaron las fricciones con los ¿editores? que a la postre me llevaran a abandonar un buen proyecto muy mal dirigido.
El texto ya tiene unos años, sin embargo no lo edité para conservar la frescura e ingenuidad con que lo escribí por aquellos ayeres.

Respeto a la Autoridad (pero la de los cómics).

“Wake up fanboy, wake up fangirl, do you want to rule the world?*”
Grant Morrison

“Continuará…”, sin duda alguna la palabra más temida por toda la fanchiquillada. No me malentiendan, la emoción que produce un final que deja con la boca abierta, cuya resolución se conocerá hasta el número siguiente, es uno de los sentimientos más grandiosos que existen. El problema viene cuando la esperada continuación no llega jamás, entonces el sueño se convierte en pesadilla. Y peor cuando eso sucede con la serie más influyente en el medio comiqueril de los últimos 10 años: The Authority.
Abuso de autoridad.
A finales de la década de los noventa hubo dos series que cumplirían la misma función que Watchmen y The Dark Knight Returns tuvieron en los ochenta. Me refiero a Planetary y The Authority, ambas creadas por Warren Ellis, quien, junto a su sucesor en The Authority, Mark Millar, trabajaron temas que antes no se habían tocado dentro de un cómic, o por lo menos no con tanta profundidad y detalle. En ellas, los superpoderosos no sólo quieren ayudar a mundo, quieren, y pueden, dominarlo. En el caso de The Authority estamos frente a un título en el que el equipo de superdotados decide que no sólo es su deber combatir a las amenazas de índole cósmico o metahumano, también es su responsabilidad que el mundo se convierta en un lugar mejor para todos y cada uno de los eres que lo habitamos. Y si tiene que ser golpeando dictadores, manteniendo refugiados o simplemente ayudando a diversificar las preferencias sexuales pues esta autoridad lo va a hacer.
Esta libertad creativa trajo como consecuencia una popularidad que se reflejo en las ventas, convirtiendo al título en uno de los más vendidos, y sentando las bases para dotar al género de superhéroes de un realismo extremo que vino a refrescar el aletargado mundo de los superhumanos. En realidad, la gracia de este cómic fue que, al mismo tiempo que mostraba una violencia gráfica bastante explícita, se burlaba y deconstruía a los antihéroes que se popularizaron por aquellos años (Punisher, Ghost Rider, las series de Image, y casi todo lo públicado entre 1989 y 1997), demostrando que no podían ser tomados en serio, pues no es lo mismo ajusticiar a kingpins del crimen y raterillos de poca monta, que lidiar con el hambre mundial y la amenaza nuclear a punta de trancazos.
The Authority en México.
La publicación de esta serie en México fue una grata sorpresa para los coleccionistas de cómics, tanto para los enterados como para los que la descubrimos en su versión traducida. La editorial que la trajo tuvo el buen tino de introducirla con un número cero (que en realidad pertenecía a otra serie, Stormwatch, pero que incluso en EU se le considera extraoficialmente con ese número) en donde sentaba las bases de la historia y se presentaba a los personajes principales.
Cabe mencionarse que Ellis escribió los primeros doce números de la serie, cediéndole posteriormente el poder sobre la serie al entonces desconocido Mark Millar (¿alguien dijo Civil War?) quien, en un arranque de creatividad sin límites, lanzó de lleno a The Authority al panteón de los clásicos comiqueriles, escribiendo una de las historias que todo aquel que se considere fan del arte secuencial no puede dejar de leer pues es ya un referente para entender el cómic moderno (aunque muchos consideren a la serie en general como el hijo bastardo de Harbinger, serie publicada por la difunta editorial Valiant y que para muchos es la que introdujo el realismo extremo al mundo del cómic).
Lamentablemente, los lectores mexicanos nunca pudimos concluir ni siquiera el primero de los arcos argumentales de la ópera magna de Millar, pues una pésima decisión editorial lo canceló justo a la mitad.
¿Y qué pasó entonces?
En los dos primeros números de la historia “The Nativity” (últimos publicados en nuestro país) somos testigos de como The Authority han decidido tomar las riendas de un mundo lleno de guerras, nulo respeto a los derechos humanos más básicos y gobernado por ojetes, utilizando sus superpoderes y su calidad de ciudadanos del mundo. Para esta historia, la lideresa del equipo –otra innovación de este cómic, los personajes femeninos son fuertes y con una personalidad propia-, que al mismo tiempo era el espíritu del siglo XX, ha fallecido, pero el equipo ha detectado el nacimiento del espíritu del siglo XXI (de ahí el nombre de la saga) y se lanzan a su búsqueda. Lo que no saben es que hay una agencia del gobierno –no dicen de cual pero es fácil adivinarlo porque siempre hablan inglés, además de ser güeritos y tener grandes los pies- que también está deseosa de ponerle las manos encima al portento recién nacido, de hecho lo hacen.
Hasta aquí nos enteramos, lo que sucedió después es que la intención de la mente maestra de la agencia es exprimir a la bebé para crear un ejército de superpoderosos y, por supuesto, dominar al mundo. Al final de la historia, The Authority le dan una golpiza a todos los fusiles de superhéroes que se les aparecen (incluyendo Avengers, X Men y New Gods) y recuperan a la niña, además de aliarse con el mero mero de la agencia, un monito llamado Jacob Krigstein, sospechosamente parecido en dibujo y nombre al rey Jack Kirby.
¿Así nomás?
Como mencionaba antes, el valor de este cómic está en lo que aportó al fandom en sus años de publicación, además de tener un excelente desarrollo de personajes y un muy bien elaborado manejo de las tramas y subtramas. Leer cualquiera de las historias del primer volumen de The Authority es adentrarse a historias en muchos niveles, en donde la sorpresa aguarda en cada página. Además, las múltiples referencias socioculturales que abundan a lo largo de toda la obra la convierten en un referente para entender la evolución tardía de nuestro medio favorito.
Por ejemplo, esas escenas en donde el equipo destroza a las creaciones de Kirby… perdón, Krigstein, no son más que la metáfora de que hay que destruir las ideas antiguas y cederle el paso a la nueva guardia, representada por los nuevos superhéroes hiperviolentos. Sin embargo, la escena al final de la historia, en donde The Authority reclutan al científico loco, no es más que la idea de que ese paso debe darse respetando los valores que hicieron de los superhéroes lo que son hoy en día: referentes culturales para exaltar los más altos valores humanos. En otras palabras, los nuevos superhéroes pueden combatir al mal con sus mismas armas pero todo en aras del bien común.
Y la sentencia…
Ojalá algún alma caritativa se apiade de los lectores mexicanos y nos traiga el final de “The Nativity”, y de paso las historias que le siguieron. Aprovechen señores editoriales, ahora que el mercado del cómic en México está teniendo un repunte y el público está listo para historias de esta calidad. Nuestras colecciones –y sobretodo nuestras almas- se los agradecerán.

*Despierta fanático, despierta fanática, ¿Quieren dominar al mundo?

¡A ver a qué horas!

2009-10-07T11:45:00.001-07:00

Nomás como noticia, ya que próximamente escribiré algo más extenso, les comunico que el día de hoy ¡Por fin! salió a la venta el número final de Planetary.
Para los neófitos, Planetary es LA obra maestra de Warren Ellis y John Cassaday, escritor y dibujante respectivamente, y es un cómic que rinde tributo a la imaginación en su estado puro, homenajeando entre sus páginas a la cultura popular de diferentes rincones del mundo.
Así, podemos leer las aventuras del equipo estelar descubriendo una misteriosa isla llena de monstruos gigantes, muy cerca de Japón, o la visita a un pueblo fantasma gringo donde experimentos con radiación tuvieron consecuencias cinematográficas en los sujetos experimentales. Ni que decir de la revisión a la novela de terror gótica, que se empata con la revisión a la novela policíaca victoriana. En fin, que Planetary sirve como un compendio de todo lo bueno que la cultura popular mundial nos ha dado, y lo mejor es que todo ello se adereza con la narración ¿superheróica? de los personajes creados por Ellis.
¿Y por qué tanta emoción, qué no debería estar triste porque tan monumental obra termina? Pues sí, así es, pero considerando que el número 1 se publicó en 1999, y que 10 años después apenas podamos leer la conclusión de tan valorada historieta pues es digno de celebrar. Además las cosas buenas, entre más breves, más buenas.
Sin duda alguna, esta obra ya forma parte de las indispensables para entender al cómic como medio de comunicación con reglas propias, al mismo tiempo que justifica su estatus de 9o arte, y es, junto con The Ultimates vols. 1 y 2, una de las obras maestras del cómic de este naciente siglo.
A checar.

Por qué discuerdo...

2009-10-07T09:00:00.000-07:00

Aunque suene trillado y hasta demagógico, el mundo en el que vivimos, al menos para los afortunados que contamos con acceso a internet y a una educación más o menos de calidad*, está globalizándose de una manera tal que la palabra ignorancia ha dejado de significar desconocimiento, para pasar a significar desidia. Es decir, ya no hay pretextos para desconocer las culturas, idiosincracias y realidades de cualquier otra parte del mundo salvo las ganas de no hacerlo.
Y esas ganas, por lo visto, son enormes dado que resulta incomprensible (o bueno, no tanto, pero otro día hablaré de ello) que la gente no quiera informarse, instruirse, o simplemente buscar un poco más allá de lo que a los medios de comunicación "oficiales" les conviene ofrecer, ya sea por órdenes del sistema o por la ignorancia propia de sus sus comunicadores.
La oferta cultural mediática** es incompleta por las razones arriba mencionadas, pero también porque la academia ha propiciado la formación de una cultura oficial, apegada a normas y reglas para las que no existe fundamento alguno, salvo en las subjetivas miradas de los sesudos intelectuales que las formulan. Es en esas miradas donde es válido leer nóbeles de literatura, escuchar jazz, ver películas de "arte" o asistir a exposiciones de arte contemporáneo, todo gracias a que ello constituye parte del saber culto, de la información educada, o en palabras más tendenciosas, de lo que todo mundo debría saber para poder ser considerado un intelectual.
Es la misma cultura academicista la que cataloga a otras formas de expresión como cultura basura, chatarra o de plano no la considera cultura. Así, leer cómics, escuchar heavy metal, ver películas de corte fantástico o asistir a exposiciones de arte "alternativo" constituye una falta de educación,a pesar de que dichos objetos culturales, la mayoría de las veces, nos permiten conocer de una manera más objetiva y completa la realidad, social o histórica, del lugar que las vió nacer.
Y es por ello que el sistema las considera peligrosas, ya que el conocer de manera integral otras formas de pensamiento evidencia las carencias de nuestra propia cultura oficial, al mismo tiempo que genera una ansia por conocer más de otras formas de expresión, en pos de encontrar aquella que nos pueda servir como válvula de escape a nuestras propias necesidades de comunicación.
Es por eso que discuerdo con la oferta cultural que me brindan los medios, porque es incompleta y, casi siempre, enfocada a perpetuar la idea de lo que ellos consideran que debemos saber. El mundo es un lugar muy grande, tan grande como que cada cabeza es un mundo, y gracias a las tecnologías actuales podemos conocer tanto como queramos y, tal vez, de la manera más objetiva posible.
Discuerdo con los intelectuales que niegan la diversidad de diversiones, con los que niegan a mis pasatiempos la posibilidad de ser estudiados y analizados, con los que no se atreven a mirar más allá del corral y con los que impiden la comunicación masiva de culturas diferentes a la suya.
También discuerdo con la gente que no busca más allá de lo evidente, que se conforma con lo que le ofrecen y que piensa que su vida no podría estar más completa. Es gracias a esta discordia que surge este sitio, cuyo objetivo es divulgar y socializar la "otra" cultura.
Pero discuerdo también tiene otro significado. El prefijo dis- significa negación u oposición. Así, dis-cuerdo, quiere decir no cuerdo, o loco, si lo prefieren. No caeré en el lugar común de decir que de músico, poeta y loco todos tenemos un poco, simplemente porque es falso. Decir que todos tenemos algo de músicos es una falta de respeto contra aquellos que se han esforzado en serlo (y no, los reggaetoneros y los "bándalos" (sic) norteños no son músicos. Darle a un instrumento no te convierte en músico, si lo sabré yo). Cualquier hij@ de vecina puede escribir "poesía" (tu que eres poeta y en el aire las compones...), pero sólo un par de personas en el mundo, lo saben hacer bien (posiblemente sean más, algún día las descubriré).
Y de locos, quizás sea la única de la que efectivamente todos tenemos un poco, pero así como entre los perros hay razas, hay de locos a locos. Yo prefiero considerarme como un loco de acuerdo a la definición de Ambrose Bierce en su excelentísimo Diccionario del Diablo, reproduzco aquí la definición para que, si alguien lo desea, considere que también se aplica para su persona y convirtamos a este mundo en un planeta de locos:

Loco, adj. Dícese de quien está afectado de un alto nivel de independencia intelectual; del que no se conforma a las normas de pensamiento, lenguaje y acción que los conformantes han establecido observándose a sí mismos; del que no está de acuerdo con la mayoría; en suma, de todo lo que es inusitado. Vale la pena señalar que una persona es declarada loca por funcionarios carentes de pruebas de su propia cordura. Por ejemplo, el ilustre autor de este Diccionario no se siente más convencido de su salud mental que cualquier internado en un manicomio, y --salvo demostración en contrario-- es posible que en vez de la sublime ocupación a que cree dedicar sus facultades, esté golpeando los puños contra los barrotes de un asilo y afirmando ser Noé Webster, (autor del diccionario Webster) ante la inocente delectación de muchos espectadores desprevenidos.

Y ya entrados en calor les dejo la definición de locura, del mismo autor:

Locura, s. Ese "don y divina facultad" cuya energía creadora y ordenadora inspira el espíritu del hombre, guía sus actos y adorna su vida.

Bienvenidos a este espacio cuya única finalidad es no ser uno más.

*No discutiré que significa "de calidad", baste decir que el hecho de estudiar una licenciatura puede traducirse como una mejor calidad de vida. Y no me refiero únicamente al aspecto económico, aunque el sistema así nos lo quiera vender.

**De aquí en adelante por mediático me refiero a los medios de comunicación oficiales o comerciales.